隨著獨立樂人的演出想像與規模日漸擴大，演唱會製作、導演的角色也越來越受重視，細數 2019 年頗受矚目的專場演出——完售 Legacy 的 9m88、ØZI、茄子蛋；不受制於 live house 場域的大象體操；進攻大場地的夜貓組、美秀集團、落日飛車——幕後製作的核心人物正是聞理與劉柏君。
作為近年獨立樂人合作頻繁的兩位演唱會導演，兩人的性格不盡相同，卻都具備專業自覺；與前者對話，你會感受到一種技術人的理性與銳利，而後者則展現企劃出身，重視人性整合的柔軟。
工作性格、視野的養成，與他們的成長歷程息息相關。回顧入行之初兩人皆從， StreetVoice 街聲起步，2009 年尚在元智大學三年級的劉柏君，先是報名參加 StreetVoice 所舉辦的營隊，以企劃組的學員身份和樂團組搭配合作，後申請實習進入 Legacy 工作：「原本實習只要暑假兩個月，我去那邊卻玩瘋了，太好玩，每天看表演，接觸前台、後台的事情，晚上去操場喝酒⋯⋯『污染』啦！開始壞掉！」
暑假的實習時間不斷延長至一年，劉柏君在畢業後轉為正職，於 2010 年進入 StreetVocie 擔任行銷企劃，一待就是六年。稍晚兩個月，退伍後帶著玩團之心從台中搬往台北發展的聞理，也面試進入 StreetVocie 擔任相同職務，總共待了四年。
StreetVoice 實戰體驗
他們清楚記得，到職後的第一場工作便是隔一週的 The Next Big Thing 見證大團，因為前一位同事離職匆促、交接不全，搞得大家手忙腳亂。
從實戰現場練兵是兩人的日常。2010 年，StreetVoice 嘗試發展各項新計劃，除大團外，劉柏君的專案工作還包括「StreetVoice 選集系列」。她回憶當時的自己是「蠻 old school 地接觸到類唱片公司的做事方式」——與同事合作聽大量的 demo、邀團錄音，從封面設計到實體鋪貨，自己一間一間咖啡廳、獨立書店打電話談合作與寄貨。
選集系列之後是前進校園的「搖滾巴士」及「大登陸」。前者為租借舞台車，帶著 StreetVoice 的推薦樂團進入校園座談，並與在校的兩組樂團共演；而後者則欲延續選集效應，透過楊乃文、熱狗、張震嶽等知名樂人的魅力，吸引青年學子注意共演的選集樂團。
兩人一路上跟著製作前輩巡迴，邊做邊學，尋找分工配合的方式。透過大登陸，聞理更知道自己想要做舞台上的事（舞監、硬體調度等）；而主控行政事務，負責接洽校方與藝人、完成補助提案與結案的劉柏君，連同企劃冬季選集的經驗，練成了綜觀大局、處理細節的溝通能力。
事實上校園巡迴並不輕鬆，若學校在南部，早上四點便得集合開大巴出發，待早上九點彩排、演出，再原車返北。然而收穫也不少，他們不僅在短期內累積了大量的實戰經驗，也認識不少如今頗具代表性的台灣獨立音樂人，譬如：火燒島、大象體操、法蘭黛、黃玠瑋、先知瑪莉、隨性等等。聞理回憶：「那時候遇到了一些團，譬如成大有個團叫 Natural Outcome，就是現在的甜約翰。」
2014 年於花博舉辦的 Park Park Carnival 是兩人第一關重點試煉，他們分別擔任硬體統籌與活動統籌，首次一個音樂節的工作流程從頭走到尾。Park Park Carnival 兩天邀請一百個樂團，緊靠自行組隊設計的車子表演，野生且破格的形式深獲好評。儘管音場問題讓他們事後檢討很久，卻也對創造理想的音樂場景產生戀愛感。
緊接著上海簡單生活節第一屆、見證大團兩季的電視節目⋯⋯密集接觸與演出相關的工作，兩人從台北簡單生活節的小舞台一路做到主舞台，各自的實戰能力最終衍生出更大的理想。
獨立接案啟蒙
「我們 2013 年存到錢去 Fuji Rock。我去看了 Nine Inch Nails。我在第一排看完之後，內心就決定這輩子一定要做出這麼屌的 show。」深受震撼的聞理回台後，便積極邀請身邊的友團合作。2014 年，他的第一場製作案便是棋盤上的空格在 The Wall 的發片場，用上三層投影紗：「現在想起來，幹，那時候做得超爛，爛到爆（沒事先想好燈光設計）。但看照片會覺得蠻酷的啦，是一個巧思。」
想想也不過是五、六年前的事，聞理表示，當時根本沒有人在演出製作上會優先想到獨立音樂，更何況是棋盤上的空格這樣偏鋒的電子風格。可正是自己很單純地和一群朋友們搶先實作，自己才會繼續待在這行。
2015 年，劉柏君隨聞理一同做了三場樂團演出，包括：血肉果汁機的建功蓋廟、隨性十週年、非人物種發片場。聞理做導演與製作，自己負責企劃宣傳，幸運地，三場演出皆是樂團們在當時票房最好的一次。整體的成就感讓她意識到，與平輩一起工作的熱血夥伴情，促使她有了獨立接案的信心。
相較聞理，劉柏君的角色轉換更複雜，觸及的不只是舞台與硬體，還有展演活動外的行政事務，譬如寄貨、結帳、算報表。可無論工作角色為何，對她來說要做的事情都很單純，就是讓喜歡的音樂人能被觀眾看到。
秉持這項信念，她往往也會思考一場活動如何在細節安排上，體貼地讓參與者們交出最好的狀態：「我會注意後台夠不夠舒服，後台舒服對藝人很重要，他上台前的狀態準備跟演出是有息息相關的。這其實也是我在做火球祭的概念，怎麼樣才能讓樂團被照顧地最好？包含他一到現場，我提前給他一個行前通知的動線圖，都會畫好你車要停哪裡、從哪裡走進來最近、有沒有人去幫你拿樂器。」
2017 年，她從 StreetVoice 離職後首次擔任演唱會導演，製作鄭宜農的發片專場，以及年底的冬眠映唱會。後者代入了 A&R 的思維，特別辦在西門町的 in89 豪華數位影城，不僅僅搭配〈冬眠〉MV 首映宣傳，也讓大家憶起鄭宜農歌手與演員兼備的身份；儘管和影廳協調過程很痛苦，解鎖電影院演出成就卻相當過癮。
帥，現場就是要帥！
「她（劉柏君）對於情感的掌握比我強太多，我最不擅長的部分就是這個。」工程作風強勢的聞理直言：「對我來說，我要做的演出比較重視聽覺跟視覺的享受——爽、刺激、大塊、秀感強烈，但這樣就會比較挑曲風、挑藝人。」
與音樂人合作，他習慣先問對方，「晚上睡覺前，你閉上眼睛想到自己在台上的畫面到底是什麼？你想要呈現給觀眾的到底是什麼？或是你有沒有什麼你非常喜歡的演出片段？」所謂的演唱會製作，正是把這些或抽象或具體的描繪整合成舞台現實，「我也遇過沒什麼想法的，畢竟我還是會把自己定位在比較輔助演出者的角色。如果沒有想法，那完全按照我設計的內容呈現出來的，真的會是對方喜歡的嗎？」
2019 年，他參與了 ØZI、茄子蛋、9m88 的專場，以及落日飛車的世界巡迴。以 ØZI 為例，因為他的廠牌夥伴、製作人米奇林與剃刀蔣，已經有很強大的畫面想像，對他來說就很容易工作，只需以執行導演身份做事：「帥，把他們做帥，把 ØZI 做到最帥。就是這個樣子。」
反倒是 9m88 較為特別，他坦承，認識對方很久，從 17、18 年的小巡迴開始合作，直到這趟《平庸之上》巡迴後才覺得自己真正了解和認識她：「做 88 最有趣的部分應該是⋯⋯所有東西我都要跟她討論，不是說她不放心我，而是她對於第一次的大型專場演出有非常多想法，以及想要呈現的內容，我必須在很有限的時間內，不斷跟她討論很多想法的優先順序，以及分析和模擬一些可能的效果讓她能夠理解。說真的，那場是我賭出來的，我是去賭那個效果到底好不好。就結果來說，我賭中了，那 88 也很開心。中間的那些過程相對地回想起來就變得很有趣。」
首張專輯發行，首次 Legacy 專場，9m88 的表現備受期待，也讓他備感壓力：「如果我沒把她第一場秀做好，那真的是毀了她耶，大家會都覺得 9m88 歌很好聽但演唱會不好看。不能這樣呀，對我來說，所以我那時候真的是沒在睡覺，要一直去寫筆記跟修改內容。」
事實上 9m88 的秀和他擅長做的風格是有些衝突的，得有主流明星的架式，也需要些感性成分，勢必要做出一些平常在 Legacy 看不到的設計——灑落七彩光暈的 LED bar、爵士心內話橋段用燈光的明暗對比表現⋯⋯劉柏君以觀眾身份分享，那次演唱會她最喜歡的段落是開場：「那是一個非常成功的開場，聰明的地方在於利用布幕，只打開一點，只露出她，背光站出來⋯⋯我們做演唱會都會覺得，開場 part 是最重要的，只要開場的 vibe 對了，觀眾就進來了，接下來就會順。」
演出是樂團生命的一部分
和聞理類似，劉柏君與音樂人合作，也會先問對方聊想傳達什麼事情，只不過，「那想要傳達的事情，不只是你在舞台上看起來要怎麼樣。我會問的是，你們現階段這個樂團要達到的目標是什麼？你們想要呈現給觀眾的感覺是怎樣的一個樂團？」
辦這場演出，是寧可賠一點錢做火力展示？還是想要節省預算，以賺錢為目標？先釐清目的、達成共識，才知道怎麼執行這場演出。她認為，演出是樂團生命的一部分，而不只是一天發生的事情，全局思考才能讓演出效果發揮到最大：「我覺得我的強項是在怎麼去整合 A&R 跟企劃面向在演出的概念裡面，更好的狀態是在演出前期的企劃，包含海報一出來的感覺跟現場有沒有 match，也是我會在意的事，而不是網路上歸網路上。」
她以大象體操在 2019 年的專輯《水底》台灣巡迴為例。前期溝通時，大象體操就告訴她，他們一直以來都想做非常態的演出，比起樂團，對自己的定位想像更接近跨界的演奏者、表演藝術單位。此外樂團也清楚表明，500 位觀眾是當下他們的演出能量，最能扎實傳達到的人數：「這個也是我痛苦的地方，他們票房實力在台北可以賣到 1,000，但因為一場不能超過 500 人，你就要拆成兩場。可是拆場就是兩天的場租、兩天的硬體、人事。」
他們最終決定租下非 live house 的空場地，讓她首次有機會自由發想舞台。最初提案是搭配直立的鏡子與地面 LED，企圖反射出「水底」的意象，考量預算結構後，最終改以燈光效果取代昂貴的 LED 視訊。
彼時恰有機緣，林宥嘉演唱會的燈光師小伍主動表示對大象體操的演出有興趣。儘管團員曾憚慮是否需要多花錢請到小巨蛋等級的燈光師，她仍不惜自砍收入也要說服樂團把握機會和專業合作：「做這個決定主要考量是資源及預算的分配思考，如果視覺組（燈光、視訊）預算有限，在有跟小伍合作的前提下，我會選擇資源都給燈光跟舞台裝置，而不是硬要有 LED 爭取亮點，但素材卻只能播 MV，沒錢請 VJ 做動畫，變成視訊跟燈光都只能做到 50 分，這對燈光師及 VJ 的專業也是種浪費。」
相信彼此的專業，共享合作成果，《水底》台灣巡迴的燈光設計果真深獲讚譽。
Pre-production 的重要性
在這個藝人自己 A&R 自己、經營自媒體的時代，兩人皆認為「藝人知道自己要什麼」非常重要。劉柏君說，作為演唱會製作，當然可以幫你想出很多又酷又炫的現場花招，然而，「你沒有去想過這個演出在你整個樂團生命的角色是什麼的話，其實就會變成一個斷掉的鏈。」
她認為理想狀態是，獨立樂人發片從收歌、企劃階段就找演出製作團隊加入討論，讓創作的核心概念可以從錄音到現場一貫表現出來：「你有一個這樣的製作核心，才能對應到你每一件做的事是否合理。」
聞理附議：「就因為是獨立樂團，所以會更好 make sense 這件事情，因為彈性比較大，沒有那麼多包袱跟大公司的枷鎖，比較願意相信我們。這就是 pre-production。我以技術面來說，如果 pre-production 我們都可以進去的時候，我們等於是多了更長的前置期。最現實的是，pre-production 如果我們的 team 進去的話，至少在聲音的部分就能夠提早跟演出者溝通，自然就能呈現得更完整更貼近演出者想要的方向，更不用說需要花很多時間設計的燈光和視訊。」
這幾年越來越多現場的音控師，往往和演出藝人合作多年，甚至是在前期錄音就參與製作，他舉例：李志的音控師姜北生正是他的專輯混音師，在混音階段就可以預想現場能怎麼做。落日飛車的音控師凱元也是跟他們一起跑了好幾年，而 9m88 的音控師 Kane 也是早早就在團隊裡工作，參與每一首歌的練團過程。
然而，比起 pre-production 的問題，獨立樂人的演唱會製作在台灣，更大的困難是市場規模的限制。一場耗費大量精力完成的秀，往往演完北、中、南三場就沒了。相較之下，歐美中階的獨立樂團發一張專輯，在本地市場好歹也能跑上一年的巡迴。
唯一的解決辦法似乎是往海外市場做突破，而如今少數能達到目標的唯有落日飛車與大象體操。劉柏君說：「他們（大象體操）就意識到，他們在台灣再怎麼樣，都無法開到 TICC 或小巨蛋，所以就往國外跑。他們的音樂沒有語言限制，真的做了很正確的決定，去國外一直跑一直跑，累積國外樂迷的同時又可以讓國內的樂迷知道，他們是這個方向的團。」
要達成這件事情，除了創作本身的質地，更需要嚴謹的技術養成。參與落日飛車世界巡迴的聞理觀察到：「我做這行將近十年，我必須說，以樂團來講，飛車是我看過全台灣最精實、最扎實，我覺得技術也是最好的樂團。只要他們要準備一個新的巡迴、新的內容，我們在出去以前他們是會練團練一百個小時的，練完之後再出發。一百個小時，十天，一天十小時。」
採訪當天，落日飛車與顏社廠牌正在合作「蓬萊仙車」系列演出，連同共演的 Leo 王與李英宏也不例外要做足這樣的準備，毫不馬虎。
經營樂團的職業心態
去年開始隨落日飛車跑美國巡迴，聞理也接觸了不少美國的獨立音樂人，切身認識到世界級的競爭門檻。以近年頗受矚目的加州唱作人 Cuco 為例，「他是個 21 歲的宅宅，他說他小時候也有聽飛車，邊聊手機邊放他的 demo，那個 demo 大概 100 首，都他自己弄，完整性還很高。」
這樣的音樂人在美國到處都是，讓他不禁想反省台灣樂團的專業意識之不足：「這次專訪我最想講的問題就是職業心態。這兩三年大家才漸漸意識到，玩團可以賺錢，可以是一個工作，可是在我的觀察中，有很多人完全沒有做到心態上要把這件事情當職業⋯⋯很多團都在這個階段卡住。」
玩樂團起步並不難，初衷或許只是想耍帥，但當你想以此為業，開始賺到錢、要賺錢時，恐怕會自己發現要負的責任比一般上班族多太多。回頭談談演唱會製作本業的心態與功課，聞理也引以為鑒，把每一場演出都當最後一場做，不許有任何閃失與遺憾；就算前一晚喝掛，隔天演出還是要準時進場彩排。
平時訂閱線上雜誌《Live Design》，研究燈圖、舞台圖，記錄有什麼新設備與技術。對自己的標準要求十分苛刻，是為了往世界走：「我一直在看表演、聽音樂，身為這一行的從業人員，我覺得多聽多看是個很好的基礎美學教育，就算看到很爛的現場也可以引以為戒。」
劉柏君補充，多聽多看，走進現場或 YouTube 瀏覽，累積參考範例絕對是基本功：「我自己認為，做演出製作是幫樂團，用演唱會在跟觀眾溝通。如果你沒有去了解現在樂迷的想法，音樂取向的動態，那你怎麼去抓到觀眾要什麼？」
除了演出製作面，她也會研究藝人本身，盡可能跟對方聊天、聊生活，理解對方的特質、喜好，放大發展成搶眼的演出素材：「做美秀的時候，我事後去看 IG 的評論全都是 1999 年出生的樂迷，超級年輕。而夜貓組的觀眾也是超年輕，但當嘉賓翁立友出現時尖叫聲不比 9m88 或顏社 family 哥哥們出來時小，也是一個很有意思的點。」
走野生的路，憑藉自我摸索成為演唱會導演，這些年有越來越多獨立音樂人選擇找他們合作。劉柏君認為，台灣其實有非常多比他們厲害的演唱會導演，但獨立樂人仍會選擇他們是因為，他們就是在這個圈子裡成長的。
彼此有相同的文化認同與聆聽品味，甚至私下就很熟悉對方的生活狀態、人生起落，厚實了信任感。聞理表示：「我有一位音響前輩交代給我的概念是，我們要把事情做好放在最優先，接下來才是賺錢。」此般行事原則，也吸引有所共鳴的的音樂人。
「其實導演也不是多了不起的角色，這我也必須要在訪問強調。」訪問尾聲，劉柏君期望能補充這題作結論：「因為我覺得我們不會比燈光師懂燈光，也不會比音控懂音響，更不會比 VJ 懂動畫製作。可是我們做的事情是整合，整合的重要性在於說，怎麼讓對的人放在對的位置，發揮到他最擅長的事情。」
不只是藝人想要什麼，幕後各環節的專業人才期望的創意，協調燈光、視訊之間誰要讓誰的問題；保持團隊熱情，並整合上述幫藝人加分，這才算是一位稱職的演唱會導演：「當每個人都被放到對的位置，做他最擅長的東西時，所有事情就會加加加加加（自動加分）。」
攝影／Yuming
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