由臺北市政府文化局所主辦的城市音樂品牌「臺北音樂不斷電」今（2021）年首度打破實體活動框架，舉辦「新生活．新態度」線上交流節，其中的「新思維——國際論壇暨工作坊」，是由臺、日、英、美 4 國共 10 位專業工作者與學員們跨越空間及時區的限制共同交流，已於 8 月 26、27 日兩天順利落幕。
「新思維——國際論壇暨工作坊」共分成 26 日的 3 場國際論壇與 27 日的 2 場工作坊，第一場論壇以「現場互動視覺再現」為題，主持人曹筱玥（臺北科技大學互動設計系教授）以「2020 年 VR 頭銜熱銷超過 640 萬」開場，美國 The New School 動態互動與資料設計師 Emily Chu 與美國 Strangeloop Studios 共同創辦人 Ian Simon 都共同提到，演唱會上的新興科技應用都是為了增加互動體驗。
Emily Chu 喜歡透過光雕、色彩增加互動體驗，在她參與籌辦的 2021 年美國西南偏南音樂節（SXSW 2021），就設計了「Perspective Note」互動頁面，觀眾可以在其中分享「現在的音樂是什麼顏色」的感受。Ian Simon 則擅長 VR，並創立虛擬藝人廠牌 SPIRIT BOMB，他認為 VR 與實體活動，都是要透過說故事的能力，讓來自四面八方的參與者身歷其境。
「線上演唱會的未來」論壇由探照文化創辦人、文化部流行音樂產業推動委員會委員李明璁負責主持，數位化的串流音樂已經改變聆聽與創作習慣，但一群人集體在特定時空感受音樂的演唱會，仍是重要的儀式。對談的 Overview Ark、Mirocolabs 執行長 Roman Rappak 線上演唱會並非要取代實體活動，而是針對無法到場的歌迷，在實體之外創造新的體驗，也拓增了新的受眾。
Roman Rappak 同時是樂團 Miro Shot 的主唱，於 2017 年發行首張專輯《CONTENT》，並舉辦了世界第一場沉浸式多感官 VR/AR 演唱會。參與者在現場頭戴 VR 頭銜，VR 內包含太空、海洋等場景，參與者宛如飛行其中來感受音樂，結合 VR 的線上演唱會不只吸引藝術創作者，也讓喜歡電玩的 Z 世代感興趣。他鼓勵，臺灣這幾年的電玩遊戲產業蓬勃發展，演唱、遊戲與科技產業應加強合作。
「下一個時代的展演場館策略」論壇則討論音樂展演場館的經營策略，負責主持的獨立音樂資深企劃陸君萍拋出疫下場館經營的難題，在日本、中國、香港、新加坡等地都曾經營 Livehouse 的日本 Zepp New Taipei 臺灣總監本多真一郎認為，場館也有助於地方發展，也有復興經濟的外溢效果，呼籲音樂人與聽眾在疫情復甦時，多多進入場館。
英國 Sybil Bell 則分享創辦 Independent Venue Week（IVW，獨立場館週）的經驗，從 2014 年串聯 17 個場館開始，至 2021 年已有超過百間參與，且橫跨英、美兩國舉辦，讓場館的基層員工倍感鼓勵，讓社區民眾認為「獨立音樂是有意思的活動。」
Sybil Bell 同時也發起「Yes We Can」計畫，平時只有夜間營業的音樂表演場館，在日間成為親職教育與藝術教育的場所，例如英國東北有間場館則包容了一群被學校認定「難以管教」的學生，培訓他們投入音樂創作產業，「人與人連結的需求不會因疫情而消失。」
除了 3 場論壇，27 日的「新生活．新態度」線上交流節以「串流行銷實戰策略」工作坊揭開序幕。美國的講者 Sung Cho 在 2015 年創立 Chartmetric 公司，藉由演算法追蹤上百萬藝人與歌單，為音樂產業提供在串流平臺上有效的數據分析工具。他以韓國偶像團體 BTS 在平臺上 65.9 萬個搜尋結果為例，分析如何使用這些網路數據，透過強化歌單整合，以帶來更多曝光機會。
另一場工作坊「音樂自媒體的創意發掘」則由美國 Twitch for Musicians 創辦人 Karen Allen 主講，她認為，創作者經常專注內容創作而忽略觀眾感受，其中一個心法即是隨時展現自己正在做什麼，讓粉絲知道暱稱、知道粉絲的故事以及最喜歡的歌曲，「讓其他人可以打擾和參與，這種互動會讓他們覺得有趣！」。
Sung Cho 分析，音樂平臺不時出現買榜的狀況，但歌手應該追求穩健經營，因此應該追蹤不同時間跨度中追蹤者的變化，哪些播放清單或播放列表是被長期訂閱，又獲得什麼留言與評價。Karen Allen 認為，創作者營利的方式即是在社群平臺增加觀眾與品牌能見度，真正聆聽的人的感受非常重要。
為期兩天的「新思維——國際論壇暨工作坊」為「新常態（New Normal）」生活的娛樂形態及商業模式做準備，國際論壇從技術與思維角度，討論了音樂展演活動在後疫情時代的趨勢，而工作坊則從行銷宣傳出發，讓音樂工作者專注創作音樂之餘，也能運用全新的品牌經營思維，擴大並延續音樂生涯的可能性。
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