2020 年初的疫情促成了許多線上直播誕生，儘管線下演出在下半年逐漸恢復，但各大音樂平台、音樂廠牌依舊在線上直播、節目等方向發力，並且逐漸形成一些製作、企劃精良、口碑極佳的線上影音品牌。
在台灣，新樂園與顏社兩組獨立廠牌分別拍攝了《製作人到你家》、《Cook The Vibe 顏社煮場秀》。前者在新樂園廠牌 YouTube 頻道「Fun In Paradise」釋出，並在 2021 年持續開發成新企劃《現正製作中》；後者則由顏社團隊打造，可謂台灣首檔付費線上音樂秀，一次結合聽覺、視覺與味覺。
儘管從形式到風格截然不同，但企劃執行、線下通線上的許多觀點都不謀而合。如果你是線上視頻的忠實觀眾，或者你也想在 2021 年搭上音樂 Live 影像的高速列車，這篇文章說不定能給你一些啟發。
米奇林 MCKY 談《製作人到你家》
Ｑ：這個節目是如何發想的？和疫情大背景有怎麽樣的關係？
原本的電視節目漸漸轉移到網絡上，現在 YouTuber 成了一個風潮。希望音樂人即便不在發片宣傳期也能有一個平台不斷曝光。疫情算是湊巧。
Ｑ：為什麽選擇以「製作」角度切入，而非「演出」？
對創作型音樂人，製作占據了大量的時間精力和金錢。除了台前的歌手，幕後製作人一直都是支撐產業很重要的環節。
我們希望和市面上的音樂節目做區隔，加之「新樂園」廠牌本身就專長製作，就發想了以製作物為主的企劃，類似音樂界的《Discovery》，慢慢讓大家了解幕後之美，激勵更多人才往這個地方發展。
Ｑ：節目後有做復盤嗎？音樂人們對這次嘗試有什麽感想？
最難的是如何做到兼顧娛樂性又有深度，讓所有人看得懂並樂在其中。我認為技術是需要自己悶頭琢磨，觀眾更容易理解和感興趣的是音樂人在台下的一面，和怎麽去發想製作的過程。
音樂人都覺得蠻有挑戰的，來之前壓力很大。我們準備了很多臨時道具，而且要當著那麽多人的面限時做音樂，很考驗臨場發揮和專業能力。我特意安排了風格差異很大的歌手搭配製作人，想讓觀眾知道在不同風格下音樂的可塑性有多高！（搞不好只有我自己覺得有趣）
Ｑ：節目效果達到你的預期了嗎？錄製過程有什麽印象深刻的事？
點擊率比預期少（平均每集播放量 7.8 萬，最高一集播放量 15 萬），這個題材在華語音樂偏冷門（笑），團隊也要繼續研究觀眾到底想看什麽，get不到點又是什麽。團隊由導演組、攝影組、燈光組、剪輯組組成，包含來賓一共 10 餘人左右。做得很辛苦，但總是要有幾個人願意開，之後才會有更多可能性。
印象最深的是最後金曲獎製作人 YELLOW 黃宣和新樂園園長 ØZI 的那一集。YELLOW 黃宣是這幾年非常厲害的製作人和音樂人，他把原本 ØZI〈傳教士〉原本 Urban、R&B 的曲風，變成電子、Dancehall⋯⋯我也無法定義的風格。他抽到的道具是豎笛，其實是很幽默的物品，但他融合得非常好。
另外就是美秀集團和 SJIN／史今那一集，他們的工作室在地下一層，其他攝影人員聚在一樓，樓上就是住宅區。因為我們的人實在是太吵了，就不停有居民跑下來投訴。
Ｑ：廠牌做節目會有什麽優勢和劣勢嗎？
優勢是原本廠牌的粉絲本身就很清楚我們的風格跟個性，所以開播並不是從 0 開始，很快就積累了固定觀眾。平日也都跟音樂人玩在一起，所以第一季邀請也都順順利利。
相反劣勢的部分，廠牌要經營頻道真的很辛苦，同一個團隊一邊要完成本職音樂製作，一邊要拍節目，會很難專心，也很難實現常態性拍攝。
希望未來能與一個完整且經驗豐富的拍攝團隊合作，並且認同廠牌價值的商業夥伴全程加入，把製作和資金問題解決，我相信節目的有趣度跟各方面都會升一個檔次。
Ｑ：未來線上演出會成為新的風潮嗎？
因為疫情的推動，線上演唱會漸漸發展到一個規模，但我始終認為它並不會變成常態，演唱會就是要看現場啊！享受當下除了音樂之外的所有，這很難以被數位取代，除非科技進步到更厲害的狀態。
我們還是希望做音樂類的節目，把 Live Session 深化到更多元形態，帶來和正經八百的演唱會不一樣的體驗感，比如競賽類，比如加入動畫，比如一鏡到底等等。
迪拉胖談《Cook The Vibe 顏社煮場秀》
Ｑ：這個節目是怎麽如何發想的？和疫情大背景有怎麽樣的關係？
我一直有在看歐美 Live Session，很嚮往做這個東西，因為自己喜歡食物，就在想能不能把音樂演出和飲食文化結合起來。這個想法是 2019 年中冒出來的，本來想慢慢準備，結果疫情加速了它的成型。
「顏社煮場秀」有很多新的概念，比如線上付費、在餐廳後廚演出、買票送餐盒外賣服務等等，如果在正常情況下推出勢必會和線下演出競爭，疫情給了它一個契機，讓更多人願意去嘗試新的玩法。
Ｑ：執行和拍攝上有沒有遇到什麽困難？
首先挑選餐廳的條件很重要，要保證它好吃、形象有趣、後廚硬體過關、空間夠大，能夠塞下除了音樂人外，15 人左右的成音、錄音和拍攝團隊。
廚房大部分表面是金屬的，我們一開始嘗試，用麥克風收音箱出來的聲音，雖然比較有現場感，但會收到很多共振雜音，演出時也會很擾民，於是第二集我們改成了直接聲卡輸入。
關於直播還是錄播也討論過，因為第一次做節目穩妥起見選擇了錄播，設置了 4、5 個機位和 GoPro，但多機運鏡會呈現出很重的導播痕跡，最後我們決定以一機構成 60% 的主要畫面，剩下 40% 用其他鏡頭補，一直在節目精緻度和現場呼吸感之中找平衡。
Ｑ：大家都是第一次在廚房演出，前期是怎麽和音樂人溝通的？
一開始音樂人也會有疑慮，但到了現場都會覺得很有趣。餐廳是和每個人都息息相關，但廚房從來沒進去過。面臨最大的問題是沒有觀眾，對藝人特別是嘻哈音樂人表演是很大的考驗。
比如第四集夜貓組，樂手在中央廚房裡面，和音在外廚，我就和他們說，把自己當作主廚，想像做菜時你需要和樂手，也就是副廚、三廚、四廚對話，把和聲當作外場服務生。
那家海鮮餐廳有一個開放式冰櫃，我一早去菜市場買了幾千塊錢的鮮魚，希望真的營造出做菜的感覺。當大家快速進入角色，眼神和聲音的溝通就變得自然順暢，氣氛也就出來了。
Ｑ：節目後有做復盤嗎？有什麽覺得特別棒或者遺憾需要改進的？
為了能把音樂和食物進一步結合，我們把門票和周邊以食物餐盒形式外送到家，裡面有夜貓偷吃魚（秋刀魚）、春艷好棒棒（棒棒糖）、Leo 王迷幻菇麵（乾拌麵）、國蛋薯叔（鹹蛋黃薯條）和專屬圍裙及 T-shirt。外包裝印上四場節目 QR code，掃碼觀看線上節目。
這個餐盒成了我們最意料之外的亮點。主流媒體都看咖位，導致很多音樂節目在非音樂平台很難得到大聲量報導。但這次餐盒的嘗試效果出奇好，比起送票送 CD，KOL 主動分享的意願遠超我們想像。
但餐盒也因為時間關係，有很多遺憾未實現，希望下一季能真正和餐廳做聯名開發的食物。
Ｑ：為什麽第一季就選擇了付費模式，對商業化有什麽打算嗎？
我們的餐盒一共售出 1,800 多套，單場票 1,100 張，顏社自己的付費會員購買占了一半。雖然行銷討論度很高，但購買人群還是以顏社粉絲和台北、新北市為主（70%）。
其實數據比我預期少了一些，但如果要製作精良，並長期打算，還是得嘗試把線上演出變成有可能發展的商業模式。我們的第一步是創造儀式感，叫餐到家邊吃邊看，已經是現代人共有生活模式，它是個契機。
希望下一季把節目框架放大，找不同的藝人，找更有開發能力的餐廳，接觸更多 OTT 平台與影音平台，和商業夥伴把「概念車」轉為可持續的商業模式。
音樂文化和餐廳文化是現代都市人不可或缺的，就像你去倫敦、紐約可能會找哪些餐廳是音樂人常出沒，我希望外地人看了這個節目，也會想去這個餐廳吃吃看，將飲食、音樂和觀光更深度結合在一起。
Ｑ：未來線上演出會成為新的風潮嗎？
線上和線下的演出各有其魅力。看電影和看舞台劇的氣氛就不一樣。
很多大牌藝人已經不太可能看到一兩百人近距離的現場演出，大型演唱會大部分都是看聲光效果和氣氛，而且以專業角度看，大型演出未必質量高。
線上演出則更像照妖鏡，優點和破綻成倍放大。所以還是要從內容上做出區隔。
（本文轉自街聲大事，經 Blow 吹音樂編輯修改，未經同意不得轉載。）
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