從歷史來看，我們會發現科技對音樂產業的影響。近年像是抖音國際版 TikTok 的出現，除了帶來新的閱聽方式、習慣，更影響到歐美熱門單曲的排行榜。第 11 屆金音獎的「亞洲音樂大賞・FOOTING 論壇」，其中一場邀請音樂作家 BRIEN、吹音樂主編阿哼，以及台灣大學兼任助理教授林真宇。他們以「注意力破碎時代的聽覺戰場？」為題，探討當科技主導改變，我們可以如何調整思維、重新審視音樂產業現狀。
TikTok 的 15 秒注意力戰場
阿哼先是引用媒體創投趨勢觀察家 Matthew Ball 所寫的〈Audio’s Opportunity and Who Will Capture It〉作為開場，此文主要探討美國影視、遊戲及音樂市場，受到科技影響的變化。文中表示，影視與遊戲產業在科技翻新的時候，整體市值都會大幅增加。相對而言，音樂產業卻不盡如此，像是上個世紀，CD 幾近取代黑膠唱片的產值，目前則是串流為王。
音樂載體翻新音樂內容，最初黑膠有其容量的限制，讓我們所熟悉的歌曲通常在三分鐘左右的長度。如今，抖音、TikTok 的出現，讓 15 秒影音充斥雲端，並創造出告示牌冠軍神曲〈Old Town Road〉，甚至讓費玉清的經典歌曲〈一剪梅〉爆紅。「流行音樂的歷史很大一部分是，載體改變了音樂本身的內容，包括它的長度、它想要呈現什麼樣子的東西去吸引閱聽人。」長期關心國際音樂產業趨勢的音樂作家 BRIEN 表示，過去可能是大公司一手主導的結構，近年漸被新科技給打破，創造了看似更為「去中心」的過程：「打破的同時，創造一批新的人可以起來，這是最重要的事情。」
TikTok 捧紅許多歌曲，但並不代表演唱人就一定會為人所知，大部分的原唱者都不像〈Old Town Road〉的 Lil Nas X、〈Say So〉的 Doja Cat 那樣幸運。BRIEN 接著說，唱片公司過去可能是投資在藝人身上，如今可能是投資某首暢銷歌曲，在 TikTok 上推，「對於藝人來說，有一點像是變成『免洗筷』，他是誰不重要，重點是這個東西紅了。」
為此特地去下載 TikTok 的阿哼，他認為這種「免洗」的狀態，也是很多人對它反感的原因；深度的東西在上面難發揮出作用，尤其是藝術型的創作者，更會覺得他想要傳達的東西被碎片化。
過去可能會認為流行音樂較容易在 TikTok 傳播，但 BRIEN 最近觀察到獨立音樂也開始受惠於 TikTok，例如加拿大獨立搖滾才子 Mac DeMarco 的某首 B-side 作品在 TikTok 突然爆紅。使得他們的廠牌開始試著用 TikTok 來推一些歌。
「TikTok 常聽到都是節奏很強的東西，但在抖音反而都是一些情歌，而且是很俗的那種，真的會覺得 90 年代、21 世紀初才會有的那種音色。」阿哼還觀察到這有趣的現象，反映抖音與其國際版 TikTok 用戶不同文化背景的喜好。
或許 TikTok 因為公司體質而被放大政治因素的討論，讓大家對此有所忌憚；但回過頭來去看這個產品的本質，它其實是一個新鮮的，開放大家創作、利用音樂的平台。日前，TikTok 因為資安問題在美國被要求下架，進而引發各種討論。然而，BRIEN 認為最重要的是，TikTok 的興起開啟了一種新的音樂使用想像，即使它不存在了，還是會有替代的產品會出現。
串流平台的歌單文化
除了 TikTok，阿哼另外觀察到在串流平台上所謂「歌單文化」，其影響力已經強大到，他用有一點傻眼來形容，例如 Taylor Swift 與 Justin Bieber 都將新專輯的歌曲，另外拆出來發行數張 EP，並命名成像是情境歌單的名稱，進而引發諸多討論，正反意見都有。
接續著阿哼的看法，BRIEN 以之前從事唱片業的經驗，認為串流平台或歌單文化培養出來的群眾，聆聽習慣相對「弱」一些，「阿哼有講到 chill 歌單，因為 Spotify 很有意識的在做這件事情，它不想讓你去花腦筋想，放下去就 chill 就好了。這是很多專業分析文章都有講到的事情。」
另一位與談人林真宇在大學教授音樂產業，她提到國外會特別開設 Playlisting 的課程，指導學生做播放清單，或是唱片公司與音樂人如何找到這些做播放清單的人，這些變化過去幾年都難以想像。
接著，阿哼舉一些實際合作的案例。他從串流平台的後台數據發現，藝人只要被收錄進的歌單越多，對於點聽的助益越大。「國外有一些樂迷，或是廠牌做的『第三方歌單』，有些都是幾萬人追蹤，其實蠻厲害的。」他期待台灣有更多人做這件事情。
「大型唱片公司花很多心力在做這件事情，比方說他們會去找一些當紅的話題，歌單還要設計成很像是官方歌單。」BRIEN 也提到，Spotify 跟 Apple Music 的官方歌單還是最多人訂閱，除了這些官方歌單，台灣較少有受歡迎的第三方歌單。
阿哼認為，串流平台會如此重視歌單文化有兩個原因：首先以 Spotify 創辦人 Daniel Ek 的角度而言，未來音樂的再利用是，各種情境式的方式，而非像是過去的曲風分類；另一個是要跟唱片公司有談判的籌碼，必須創造出自己平台上的差異化特質，而 Spotify 的方式就是製造許多人追蹤的歌單。
「其實每個平台的已經不太一樣，Spotify 的強項就是歌單與演算法。Apple Music 比較像是內部編輯團隊的品味，重要專輯都會有編輯評語。KKBOX 強的就是 localization 做得很好。」BRIEN 說道，Apple Music 以前是有做獨家內容，某些藝人的新作必須先上架在他們平台，「雖然在短時間創造了聲量，可是沒辦法讓最多的人聽到，後來這方式就被放棄了。」
除此之外，串流平台興起所帶來另一個改變是，越來越多藝人透過單曲來創造聲量，有些甚至只靠 EP 幾首歌就爆紅，開始被各種音樂節邀約。阿哼認為，藝人演出沒有經歷過各類場景的歷練，這某種程度上會蠻消耗的，「我發現最後大家還是會一直做專輯的原因是，假設你現在要排一個巡迴演出，其實還是需要一張專輯的厚度去支撐。」
關於專輯這題，BRIEN 提出不同思考，他認為我們對於音樂的想法還是比較傳統，另一方面是較少透過科技新創做嘗試，單曲並非不可行：「除了歌單之外，我們似乎已經不知道怎麼去推一首歌。」
線上聲音新經濟？
講座接近後半，阿哼又提到開場的那篇文章，雖然音樂產業看似新載體取代舊有的產值，綜觀看有聲市場的話，其實整體是在成長的狀態，「這個有聲音市場包括現場演出、Podcast 等，聲音這件事情不只是音樂。」
英國的公部門最近開始調查音樂串流平台，是否有給音樂人該有的分潤，以及新的音樂是不是更難進入市場。「剛剛我們有提到 TikTok 的民主化嘛，其實在早期，大家也都很樂觀的認為說，串流平台是很民主化的空間，後來發現不是。」林真宇認爲，許多科技相關的事情都會有類似的發展：「我覺得現在就是有趣的時候，因為有很多不同的案例。」
話題轉到近年快速崛起的 Podcast，她接著說：「Spotify 其實是去年才真的開始賺錢，過去曾經做過很多嘗試。我覺得它做 Podcast 是蠻聰明的，找到自己做內容的市場，不會直接跟大型唱片公司有摩擦。」
雖然疫情期間，台灣幸運地能夠做現場演出，但仍有必要去了解全球正在發生的事情，其實有很多新的發展。林真宇除了教職，同時也替英國的 Liverpool Sound City 音樂祭做線上演出平台 Sound City Guesthouse，總結經驗提到：「現場演出還有一個大家可以思考的是，直播其實很容易，但產生新的收入來源卻是不容易的。」
林真宇表示，YouTube 或臉書都設立很高的門檻，才能使用盈利功能，這對於一些年輕的音樂人是非常難達到的，他們無法取得實際收益，只能將線上演出當成一種行銷工具。回到 Sound City Guesthouse 所能提供的平台服務，她從後台數據發現有 74% 以上的用戶是透過行動裝置觀看，所以未來會做 APP 的形式，希望能更 mobile friendly，以及客製化商品與更以藝人為中心。
「回推到內容本身，其實現在的線上演出，普遍都還是很像 Live Session，錄製好以後放上網給大家看，但沒有更多有趣的體驗讓我覺得有超越現場演出的感覺。」阿哼認為，現在不少線上演出平台就是要打破這件事情，尤其今年因為疫情，線上演出的想像開始擴張。
今年原本將來台演出的 Billie Eilish，才在不久前舉辦首次線上演唱會，現場唱了十多首歌曲，影像結合 XR 的最新技術；而饒舌歌手 Travis Scott 也在開放式虛擬遊戲《要塞英雄》中舉辦演唱會，不只吸引既有的粉絲，許多路過的玩家也能在遊戲世界裡聽見他，演出回放影片在 YouTube 上點閱高達一億。綜觀這些突破性案例，林真宇也誠實談到目前做線上演出的困境是，「要做得好，真的需要很有錢，或是依賴本來的名聲。」
從抖音、播放清單到線上演出，阿哼最後提出他的觀察，假設不是所有音樂人都能從中有所獲益的話，產業內部對於這些新科技都會有某種抗拒感。「為什麼音樂是科技影響的時候，非常難幫到忙的東西，是因為它很原始。」這幾年的台灣，有許多關於音樂產業的科技趨勢文章、評論，往往不是音樂產業的人在報導或書寫的，他希望大家或許可以多來關注這個題目，試著從音樂人的角度出發，對科技的影響有所警惕。
（講師原句經 Blow 吹音樂編輯整理，照片由「亞洲音樂大賞・FOOTING 論壇」提供）
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