每種語言都是文化的傳承，在漫長歷史中累積、發酵，緩慢醞釀出獨一無二的韻味。從小在生活中每天聽、每天說的語言，字裡行間都沾染了家鄉的氣味，儘管越來越少使用，卻不至於淡忘；某個偶然，捕捉到擁有相同口音腔調的對話，那種親切與熟悉感就算不逼人泛淚，也肯定會因此勾起些許兒時回憶。
如果你曾離開家鄉到外地讀書打拚，會說兩種、甚至三種以上不同語言，或許對本次專題「母語歌詞創作」將會有更深刻的體會與感動。在台灣落地生根的我們，除了一般溝通所使用的華語/中文，會說台語、客語和原住民語的人亦不在少數；母語和中文的思考模式差異甚大，用於歌詞創作時，又牽涉到文學性以及融入音樂的適切性，到底這些歌曲的寫法、唱法跟國語歌相較之下，有哪些本質上的差異呢？
Blow 吹音樂特別專訪到使用台語、客語和原住民（阿美族）語言創作的三位音樂人，分別是曾榮獲第 23 屆金曲獎「最佳原住民語歌手」、「最佳原住民語專輯獎和最佳新人獎」的以莉．高露，個人專輯《台南》獲得第 24 屆金曲「最佳台語專輯」、「最佳台語男歌手」的資深音樂製作兼詞曲創作人謝銘祐，以及從 90 年代就與陳昇組了新寶島康樂隊、之後發行四張個人專輯屢屢入圍金曲獎、將客家音樂帶進主流的創作歌手黃連煜，三位業界權威皆有以母語和中文創作的經驗，將從聲韻、曲式、內容和思考模式出發，分析寫詞的邏輯，探討母語創作沒落的原因，進而延伸省思：如何將此珍貴的語言文化傳承下去？
聲韻音調大不同 中文像念經 母語像唱歌
出生於花蓮鳳林、身為阿美族人的以莉．高露，從自己交互使用中文和原住民語的創作經驗中，分享對於兩種語言之間差異的看法：「中文有四音四聲，寫詞時很容易被四聲的音卡住；原住民講話本來就很像在唱歌，聲調比較自由，因此可以做更豐富的旋律變化。像阿美族的「nga’ayho（你好）」本身就有語氣了，創作時即可順著這個語氣去寫；如果你用阿美族語的聲調講中文『我～喜～歡～你』，聽起來就很做作。語言的腔調本身就有一些規則性，和中文相比，反倒是我們的母語在創作上沒有這麼多限制。」
從阿美族歌謠開始接觸母語，會發現其中「虛詞」特別難，以莉．高露表示，自己都是透過音樂來學母語，如何使用母語來形容事情，也是受到歌謠的影響。「寫歌詞如果遇到不懂的地方，我通常會去請教媽媽，問她，這樣對嗎？有沒有道理？因為很多時候母語的語法和文法跟中文不一樣，然後她就會跟我說通常要怎樣講。」
謝銘祐表示，台語和華語最大的差異在於「腔」，台語本身就有聲韻變化，平常念起來已經有高低起伏和旋律感，「哇盡嘎哩共」跟「我現在跟你講」，後者念起來就是平的。也因為這樣的特色，如果先寫台語詞再譜曲，旋律沒有填好聽起來會很像在罵人，像是學校的「校」、微笑的「笑」就不適合使用上揚音；華語創作時先詞後曲會稍微自由一點，聲韻上比較不會被侷限，然而，字數如果過於工整，曲子就很難跳脫這樣的範圍。
台中腔和南部腔除非刻意去強調，否則用唱的並不會有明顯不同，但是像泉州人講話的腔調很重，唱起來就聽得出差別。謝銘祐表示，不用為了押韻而押韻，一定要找到最適當的字，「如果想寫的字放入歌曲中卻唱起來很難聽，我通常是向曲子妥協，保留台語唸起來最自然的旋律。例如『哩底兜為』，『哩底』下來、『兜為』是平的，若你結尾寫作上揚音，唱起來原本的意思就不見了，台語歌就是不能讓意思不見，一定要保留它的腔調！」
他提到一位創作歌手王昭華，曾於 2006 年發行過台語創作專輯《一》，擅長寫台語詩詞和散文。王昭華寫過一首動物歌，歌詞中以台語唸出動物名，並把八韻剛好放在裡面，既有教育意義又饒富趣味性。
謝銘祐：「我因為詞曲都自己來，如果某處非得放某個字不可，就會稍微去變化旋律，例如加一點導音可以讓它唱起來更清楚。無論中文或台語，我會把曲子哼很多遍，用不同速度、不同的 key 嘗試，直到找出對的感覺。創作有很多不同的狀態，撰寫時的心情、心中浮現的影像等都會有所影響，很多時候是曖昧的，無法立刻決定使用何種語言，必須反覆好幾遍、填幾個字進去哼唱看看。有時候中文曲式的歌，唱成台語反而很好聽！」
從聲韻來思考客家歌曲的特質時，黃連煜認為「口語」是關鍵因素。「你必須讓人家聽得懂，要讓人聽懂就要先讓人聽得清楚，那就必須要口語，過去在對唱山歌的時候，要是我聽不懂你在唱什麼，我要怎麼回應你？這就好像在對話一樣，要是我們講不同的語言，要怎麼溝通？山歌也是這樣，我們唱同個曲調，但是不同的客家話腔調就可能聽不出來了（台灣最常聽到的兩種腔調：四縣腔和海陸腔，許多說法和音調都不同），所以為什麼台灣多數的山歌都是四縣腔？就是為了方便溝通，講話講海陸，但山歌仍然唱四縣。」
華語是比較主流的語言，已經被使用得太頻繁了，因此在寫詞時需要更多創意來輔助，太口語化、太淺白的東西如果不夠深刻，就會流於口水歌。客語的口語化比較容易，而且更有韻味，它不是這麼進化的語言，無法咬文嚼字；連接詞、形容詞等很難用客語描述，這是中文方便的地方，而且客語比較難用簡短幾個字表達情緒，黃連煜表示：「我的習慣是用講故事、尤其是寓言故事的方式，去形容和表達我自己。」
從曲式發現歷史足跡 民族熔爐的去蕪存菁
台語曲式長久以來受到很多歷史影響，像是西拉雅族的牽曲，之後有了恆春調、台東調，宜蘭又發展出所謂的「歌仔」；因人口遷徙，漢人帶來黃梅調、大戲等戲曲，以及南管、北管等宗教音樂，再加上客家小調，形成了在日本人來台之前的音樂型態；後來，日本人將演歌帶進來，加上當時他們很迷戀西洋音樂，台灣的唱片工業因此在那時形成。京劇、黃梅調、上海時期的樂隊風格，60 年代的美軍廣播電台和民謠時期，國語和台語因為受到不同影響，70 年代開始，台語歌從日本化慢慢走向地方化，葉啟田、陳一郎等人帶來了地方色彩很濃的歌曲，以地方不同的台語講話方式影響了音樂，但當然還是保留著一部分的日本風，像〈素蘭小姐要出嫁〉。
台語創作一直延續到劉家昌一統江湖的時代，他繼承了白光周旋時期比較纏綿的曲風，文字較為典雅，到民歌時期才被打破；民歌講的是清新，如同現在的小確幸，由於當時政府壓抑方言，沒有人用方言創作，因此民歌的流行也讓國語格式慢慢成形。此時期的創作者開始奠定國語曲式，後來的滾石、魔岩等戰國時期也在此時代先後建立基礎，王夢麟、李宗盛、羅大佑等人的現代編曲概念也差不多是同一時期進來的。
大陸的歌曲受台灣的國語格式影響，這是一定聽得出來的，不過他們現在精益求精，在民謠和搖滾之中放入了很多的中國因素。台灣的地方歌手越來越多，「回歸故鄉、重新定位自己」是下一段趨勢，市場的崩塌反而有助於讓大家去找回自己，謝銘祐表示：「我很樂見此事，很多人說台灣的音樂要完了（被中國取代），但我覺得才正要開始，未來會有更多專業評審參與地方型的音樂評選，各種方言也能拿到最佳歌詞來評，是件好事。」
說到遷徙與融合，客家山歌發展千年以來也是一種移動的歷史。客家語系非常獨特，因為到處都有客家人，隨其所接觸的文化和風土民情而融入當地，每個山頭所發展出來的山歌都長得不太一樣，要如何流傳或記錄？其實，山歌的內涵和歌詞規則並沒有改變：一定是七言絕句，而且大量使用比喻、雙關語和歇後語。依字形腔，跟著字去唱；依情帶腔，跟著你的感情把歌唱出來，這些都是有意境的，山歌的文字會呈現畫面，唱著唱著，感情就會油然而生。
「因為都是用同樣的歌曲去包裝，文字不同而已。就像要如何分辨各地的方言？有些語言你聽不懂，但它有特殊的腔調，雖然很難形容，但是我們一聽就會知道那是什麼。」黃連煜表示，不同腔調會影響旋律的進行：「我寫歌時通常是用四縣腔，四縣和海陸很多音剛好相反，有時候配合旋律，想要讓旋律變化大一點，就會用到海陸。會講客家話真的很好，因為在創作上有很大的空間，變化也很多。」
連結土地與生活 從歌詞中尋找家鄉醍醐味
無論台語、客語、原住民語或國語，語言的差異不只在於聲韻學和語法上，還有你怎麼去想事情。大多數人在講比較口語的、簡單的、像是想對家人說的話時，就會使用母語。
以莉．高露和謝銘祐都表示，並不會在創作時就預設要用哪種語言，大部分是憑感覺，靈感來了，想用就用。謝銘祐：「母語和一個人的成長有莫大關係，現在環境的大問題是，很多人都匯流到台北，當你離開故鄉到了台北、變成台北人、開始台北想法，脫離了原本的生活和思考模式，很多人開始迷惘，但只要回到故鄉，就開了。並不是說人只能待在故鄉，我們應該是無限延伸的，只是永遠不能忘記自己是如何成長的，當你慢慢體會到土地與自己的關係，創作才會油然而生。」以莉．高露也補充：「「我覺得母語和土地是沒辦法分開的，我們是東部的阿美族，我們的語言就是從台灣這個地方長出來的。因此有些創作人在寫歌時，自己也不知道為什麼就會用母語去講跟土地有關的事，我覺得這是創作者不知不覺的感受。」
以莉．高露的族語創作大多是從自己的生活經驗而來，像專輯中〈阿嬤的呢喃〉是在述說小時候的故事，「很多小孩子都是阿嬤帶大的，這就是我生活的經驗，所以我用族語來寫。」這首歌一開始是用吉他創作，後來請彭郁雯幫忙進行鋼琴編曲，進而完成如此優美動人的作品。
客家山歌是底層的聲音，大多是勞動者的抱怨或者情歌，跟生活的關係密切，人們將生活記錄在山歌裡，因此我們可以從山歌看到客家人幾千年來的演變。「拖鞋的客家話以前是怎樣講，到現在也是這樣講，因為記在山歌裡就不會跑掉。如果丟掉了山歌，就等於捨棄了客家這座大廟中的神，沒有神的廟是在拜假的，但現在很多政策就是在拜假的，完全沒有中心思想。」黃連煜進一步解釋：「要嘗試新事物、生產出新作品，必須要有傳統的老東西支持你，底蘊要夠，才能夠讓它變成另一種新的、好的作品，透過反省然後回頭尋找，才能創造有價值的東西。許多人疑惑，為什麼母語總跟『土地』有關？我覺得其實應該是一種『根源』的概念，跟土地沒有連結，就像都會叢林，是沒有『地氣』的。為什麼很多寫客家歌的年輕人都從鄉下來？因為都會裡的客家年輕人幾乎斷了根，會寫的都是從小在客家庄長大、一直在使用這個語言的人。」
母語創作為何沒落？突破流行盲點 傳承並不難
母語創作最大的問題是「年輕人開始不聽了」，謝銘祐提到自己回大學演講的經驗：「我問學生們有沒有聽過望春風，這應該算是最有名的台語歌了吧？但還是有人沒聽過。當一個語言逐漸沒落，你要怎麼讓它再度流行起來？我們只能儘量去唱，在有機會發表新作品時儘量去解釋。」方言領域的專業評審並不多，謝銘祐透過開課、演唱、創作及解釋歌曲，希望能讓原本從未接觸過台語的人自願來學習，並因此可以親近更多人。「像我自己也在學客語和廣東話，語言是用來溝通的，不應該用來造成隔閡或鬥爭。
在台北很常看到單一價值觀，比如說做音樂，唱片要紅有很多固定的模式，而長久在這樣的工作環境之下就會產生迷惘，這讓我很質疑音樂的本質，同時質疑自己，也失去做音樂的初衷，反而是回到故鄉台南就通了。」
如何讓聽不懂客語的人也能喜歡上客語歌？黃連煜表示：「很簡單，就是用旋律、用歌曲的樂趣去吸引他。」很多時候聽歌是憑直覺的，有些創作者很有理念，但所創作的歌曲就是不吸引人，因此無法將內容傳遞擴散。「即使有遠大的抱負和理想，也要有好的包裝，從自我推銷到被接受，進而接近人群，你的機會就來了。
客語歌不是這麼主流，反而可以很自由，把它變成一種特殊風格的音樂；既然沒有市場包袱，那就做自己吧！這樣反而能抓住聽眾的心，一首歌想提供什麼養分、想讓人得到什麼、人生態度如何？這些都反映在作品中。」
創造價值 追求作品的深度與重量
「你的生命態度很重要，你有沒有這個心、這個認同？」從沒落式微、到被當成瀕臨絕種的文化而受到保護，黃連煜感慨地說：「如今，客家好像變成一種特權，你會寫客家話就能得補助，導致很多不是真正有心的人也來玩這種東西，作品沒有精進，如果你連客家話都說不好，要怎麼寫客家歌？此外，我們不能總是侷限在既定的框框內，認為客語只能唱山歌，只能寫談情愛、念故鄉，除了和長輩學習、把記憶傳承下去之外，也應該走入人群、與世界接軌，寫一些更能與現代人產生共鳴的歌詞內容。」
謝銘祐也認為，只要從事創作，就要避免「速成」。作品需要沉澱，給自己檢視的機會，很多事情還沒想透你就寫完了，根本沒有觸碰到本質，這點非常可惜。「既然你已經看見問題，就再龜毛一點，繼續追溯，你就會寫出肉來。」此外，要讓語言本身融入血液中，一定要能夠講得流利，對話不會有失誤、不會臭伶呆；要能用母語思考，寫得東西才會自然，不然只能稱得上是在拼湊。
以莉．高露以自己為例：「我都是透過童謠歌謠來學習母語，從簡單的字開始，這些歌不只小朋友會唱，不會阿美族語的人也會來唱。有些事情用母語唱出來才深刻，就像阿美族語的『好痛』我們會說『ako！』，喊出這個字感受更深，『好痛』兩字彷彿只是表面上的，沒有那種痛到肉的感覺。」
創作要有三個特性：易感、獨特、生動。這就是為什麼創作者要絞盡腦汁？為了讓某句歌詞割到你。就像謝銘祐所提到的：「每位創作者都有厲害之處，李宗盛講都會女子、林夕用哲學講愛情、林生祥寫土地的汗味和熟悉，我們都在追求作品的重量，讓它能傳承下去。」
文章作者
