影響你最多的Bass手？
啟蒙我踏上 bass 這條路的是彭會源和陸家駿（小六）兩位老師。高中時，自己聽和練最多的是 Marcus Miller 跟 Victor Wooten，開始做 session 後很崇拜 James Genus 和 Anthony Jackson，solo 上則是最喜歡 Oteil Burbridge，還有我在紐約的老師 Matthew Garrison！另外最近也滿喜歡 Richard Bona。
其實，一直以來在音樂上受到鼓手和吉他手的影響並不少於 bass 手，家中有堆積成山的各種教學帶和 LIVE DVD，主要是希望透過這些學習，能讓自己在跟大量不同類型的鼓手們合作時，直覺上更貼近。
你怎麼看台灣流行音樂與獨立音樂的現狀？和十年前有什麼不同？
十多年前我只是個高中小毛頭，才剛開始彈 bass，所以除了不斷聽音樂和練習之外並沒想那麼多，但現在回想起來，不只是台灣和華語流行市場，整個歐美日韓都一樣，大家要說的話都變淺了，能真正打動人的旋律和歌詞好像越來越少，有時候檯面上看得到的製作，也似乎為了討好聽眾和出資者而變成包裝大於音樂，有創意、有 sense 的編曲跟真正厲害的樂手逐漸被遺忘。似乎很多人覺得，好的音樂人才是可以用科技取代的，但我認為，藝術價值是一種原則，不管市場反應如何，它的本質都是無法被商業價值所取代的。
我們所處的音樂環境完全可以反映出當代價值觀，但很遺憾的，現在的大環境似乎並不是一個最好的世代，無論是音樂人或是聽眾，被教育的空間都還很大。不過好處是因為標準降低了，所以只要我們有用心，別人就一定看得見。
你覺得身為貝斯手的必要條件是什麼？該做好的第一件事情是？
Stop thinking about ”THE BASS” !! 所有的樂手都一樣，最重要的是 Listening！
以 bass 來舉例，這項樂器本身對我們而言應該是最不重要的一個角色，要是主唱、鼓和吉他不演奏，我們所表現的音樂就無法成立。建議平時練習任何東西時，都要熟到不用去想，要練到不用隨時「看」著指板才會彈，如此一來才能有多餘的心思去「聽」別人在做什麼。
此外，平時聽音樂和抓歌時就要累積「大量」的編曲資料，你會發現，同類型的歌會有幾十種以上不同的詮釋方法，且乍聽之下再簡單的歌也有最適合、甚至更特別的處理方式。因此我在抓歌時，習慣先 note-by-note 抓到能彈得跟 CD 一模一樣，再去想如何彈得比 CD 更好聽、更特別；再者，彈到跟 CD 一樣其實也是為了在加入自己的想法之前，先證明給製作人看「要一樣我也是可以做到喔！不是在偷懶喔！」的一種方式（笑）。
雖然我認為無論在音樂性和編曲上，Full-band live recording 才是最能表達出情緒的錄音方式，但在空間預算及樂手能力考量上常常無法如願，加上華語流行歌曲出產量又如此龐大，所以如果時間許可的話，通常我會喜歡先錄個工作帶給對方（音色、編排都足以讓其他樂器 final recording的bass track），等所有東西搭好後再重覆一次上述提到的「聽」的過程，重錄一次 bass part。這樣才能更精準地拿捏，該怎麼用我的演奏去 support 整個音樂，哪些地方該改變彈奏態度，哪些段落可以放膽 play、哪些地方該收斂甚至不彈；有時候就連音色和器材，在選擇上也可能跟一開始的設定全然不同。
你覺得職業樂手與獨立樂團樂手，最大的差別是？
其實根本不應該有差別吧！兩者我都擔任過，但我不記得自己當初在音樂上所抱持的態度有什麼不一樣。音樂的表達要兼具態度跟專業，有些獨立樂團樂手可能強調了態度，卻在執行上失了準頭；也有些職業樂手在演奏時過度強調精準，卻忽略了態度。無論何者，對於音樂本身來說都是很可惜的事情。
我常對學生說：「彈什麼就要想辦法像什麼。」技巧（邏輯）和態度（感受力）缺一不可。抓歌時，知道自己要彈什麼（What to play）固然是重要的第一步，但何時該彈？如何去彈？（When to play, How to play）其實更重要！我們不只是聽眾，所以必須學習很多專業能力來支配所謂「聽覺」這件事，知道不同編曲、和聲、彈法會令聽者產生哪些不同情緒，並且對各種音樂類型的接受度也要夠高。簡單來說，不管玩團還是職業樂手，好音樂就是好音樂，應該沒必要選邊站吧？只要別停止學習就好啦！
請分享您在大型演出中，印象最深刻的經驗？
剛出來做 session 時，有一場活動是受呂聖斐老師邀請，做了兩場阿妹在日本澀谷的赤阪劇場演唱會，當時既興奮又緊張，不過由於經驗還不夠豐富，表現失常心裡很過意不去。後來阿妹還是一直有給我機會繼續合作，讓我覺得很感謝也很榮幸，而且之後似乎就再也沒有表演緊張過了（笑）。
值得一提的是，日本工作人員真的超級專業！當時我開了兩套音箱讓他們選，結果竟然兩套都擺出來讓我試；彩排是第一天，而第二天到現場時發現所有東西都被拿出來擺在台上，一開始還覺得東西被別人擅自亂動有點不愉快，但仔細一看，發現琴擺的位置、旋鈕刻度、效果器位置、排列與參數全部都和前一天結束時一模一樣，是有用尺量的那種「一模一樣」！而且台上的樂手只要稍微有什麼動作，兩位助理一定會在五秒內出現，深怕沒有在第一時間解決問題，從頭到尾在所有的分工和專業度上實在讓人望而興嘆啊！
另一次是 S.H.E 在內蒙古的演出，臨時被王治平老師叫去救火，前兩天才拿到譜和音樂，然後就飛去中國、直接上台試音演出了，完全沒有事先彩排。而且，到了現場才發現居然是四萬多人規模的大型演唱會！不過因為音樂只聽了一遍，對我來說完全沒有包袱限制，表演非常開心（笑）。很謝謝王老師給我機會，而那次新鮮的經驗，不只是開心工作、能力被信任，也證明了我常跟學生們說的：「其實我們所需要的所有訊息都在音樂裡，只看你如何去接收並消化成自己的方式去演奏出來。」
我相信，只要每次聽音樂時都能將「身、心、靈」狀態完全投入，其實很多東西聽一兩次就足夠了；採排或練習太多，聽覺跟手感反而會被制約，不一定是好事。Marcus Miller 也說過，當練習時大家聽起來感覺太好時，他會直接要大家停下來，因為他寧願把這個 moment 留到台上！我非常贊同這個說法，但前提是團裡每個人的「自主練習」要夠，彩排重點不是一直練到大家都不會彈錯，而是我們各個樂手要如何配合彼此，並且 Dedicate ourselves to the music，進而在既定的音樂中加入活力（要跟 CD 一模一樣的話用放的就好啦！還不會出錯）。音樂應該要來自於人性嘛！Live 就應該要有 Live 的精神在。
對於台灣的年輕貝斯手，或想往「職業樂手」發展的人有什麼建議？
所有樂手都一樣，「千萬不要忘記一開始學樂器是為了什麼，那就是，玩得開心最重要！」因為此時我們不需要對任何人負責。但如果你想試著進入職業圈，就必須先了解什麼是「職能專業」，門檻在哪裡？必須具備的條件是哪些？自己有什麼不足的地方？在這些不足中，有哪些是可以邊摸邊學、哪些是進來之前就一定要備齊的？
這是對「專業」的一種自我尊重，而且基本上沒有太大的犯錯空間，我們不能老是怪別人不給機會，要先想自己哪些地方做得不夠好。我常常推薦自己或別人的學生投入於音樂事業，也樂見於此，但在此之前，我覺得大家應該把職業樂手看成一種「專業能力」，那種感覺比較像是「我只想不斷學習精進，證明自己有能力，而不只是因為自己好像『比較會』或『只喜歡』做這件事，只好想盡各種不得已的方式來試圖擠出一個位置。」如果是這種心態，相信我，你不會感到開心的。凡事都單純以音樂本身為出發點來考量，我們才有可能從中得到最好的回饋，進而正向帶動整個環境再度活絡起來。
此外，傳承也很重要！我非常希望所有好的音樂人，在各自的領域達到一個程度或高度後，能夠把自身經驗、正確觀念、甚至是各自獨特的創意和思維分享教導給下一代，總不能一直獨善其身，然後每天感嘆音樂產業走下坡吧？能力越大責任越重，如果大環境匱乏，我想最大的因素絕對是專業人才缺乏培養和訓練，而不是盜版音樂的猖獗，或膚淺的唱片銷售數字。
跑過世界這麼多個國家，反觀台灣的樂手，你覺得大家最缺乏的是什麼？
國外音樂人從小就在比我們多元豐富又自然的音樂環境下長大，很容易耳濡目染，但我覺得「環境是人自己創造出來的」。高中時，我和彭會源老師借 Victor Wooten @ bassday 98′ 錄影帶，當時想練到可以整場跟著照彈，結果被反覆倒帶看到壞掉（還因此賠了老師一捲）；然而，現在網路這麼方便，YouTube 上的影片和教材隨手可得，很多人卻好像不覺得有什麼大不了，結果演奏能力和音樂賞析能力的整體水平反而不進則退，真的非常可惜！這也是我無論如何都想擠出時間繼續教課的原因。
在紐約，我看到最特別的是，大家在不斷大量學習打下紮實的基礎之後，全都在追求自己的 style 和獨特性，「What do you have to say? Bring it on the table.」畢竟學音樂就是在學著表達，誰管你能不能打得像 Dave Weckl、彈得像 Marcus Miller、想當 artist 還是 session player？音樂性才是最重要的。只要聽的音樂相近，對音樂的認知和演奏能力在差不多的水平上，我認為不需要事先認識對方就能愉快的合奏，「It’s all about listening, and music is the only mutual language that we can all speak.」
請問最近和接下來有哪些計劃？
最近除了錄音和四處演出（行程已排到明年年初）外，去年底與一位很棒的日本吉他手門田英司（Eiji Kadota）合作首張個人演奏專輯《Flow》的製作和台灣巡迴，現在數位和實體都已經發行，並且很榮幸入圍了今年金曲獎的「最佳演奏專輯製作人」、「最佳演奏專輯」和「最佳作曲」。受到演奏類三項大獎的肯定當然很開心，目前各界的反應也都還不錯，不過，能在音樂上完全做自己才是最爽的事！為期一年的製作過程中，我跟門田根本都在玩（笑）。
當時為了此輯，去年四月時很榮幸去了一趟紐約，跟鼓手 Keith Carlock（現為 John Mayer/ Steely Dan/ Toto/ Wayne Krantz/ Oz Noy 等人的鼓手）一起同步在錄音室錄了兩首歌；拿了多張白金唱片的美國名團 Spin Doctors 鼓手 Aaron Comess 也為我們跨刀錄製了兩首作品；在此之前，我也跟門田一起去了日本東京，跟日本樂壇的重量級大佬「鼓王村上秀一」（全日本地位最高的樂手，也是所有大牌藝人的指定御用鼓手，年輕時更與 jazz 傳奇人物 Miles Davis/ Brecker Brothers 等人合作過）同步錄了另外一首歌。專輯裡還網羅了許多優秀的明星樂手陣容，包括我的好友––香港鼓王恭碩良（Jun Kung）。我親自參與了所有的製作、編曲、錄音甚至最後的美術設計，因此非常興奮，想跟大家分享此成果。
去年（2014）錄製了無限融合樂團（Timeless Fusion Party）第五張專輯《5》，並完成第一次中國巡迴，短短11天跑了武漢、南京、深圳、南通、常州、重慶和成都等7個城市、8場演出。年底時因好友Jamie Wilson（目前為陶喆、林俊傑、王力宏、阿妹等人的指定吉他手）邀請去了馬來西亞，參與其world music樂團「Akasha」新專輯中所有貝斯的錄製，也跟當地許多很棒的音樂人相見歡，做了幾場表演、找到了很多靈感，並回來買了把木吉他開始寫歌（笑）。
今年（2015）過年前，我和李榮浩以及幾位樂手朋友們，在錄音室錄了一次大型的 iTunes session，整團 live recording！共六首歌，樂器的部份全部是團 one take、一刀未剪！在台灣很少有這樣的機會大家皮繃緊一起錄音，真的非常好玩（笑）。此外，除了每年都會到美國進行一兩個月的自我進修外，演出方面已排定會跟蔡健雅、江蕙、張震嶽 & 保力達樂隊、MC 熱狗、楊乃文和嚴爵等人一起巡迴，也有蠻多其他藝人的演唱會跟演出；純演奏的部分除了和門田英司一起，還有我的 Fusion團「無限融合」和「Yellow Funky Stuff」的演出。目前正在架設個人官方網站，個人專輯也在籌備中，除了積極教課，跟廠商合作的貝斯教材也正在撰寫，並安排了跟 Fodera / Epifani代言合作的內地巡迴講座，以及與四、五個廠商洽談代言。
最近開始設計了幾款效果器和音樂相關 APP，還有幾個正在進行和即將開始的編曲製作案，希望有空檔時還可以不定期舉辦其它 Project 的表演，像是 Fusion Night、Electric Bass Show 和 Redefine 等等。在商業環境裡保持熱情，對我來說是非常重要的事，所以基本上哪裡好玩我就往哪裡去囉（笑）！
※ 想了解更多訊息，歡迎關注甯子達官方網站。
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