在台灣各大音樂祭舞台上，日本樂團的現身早已成為一種再自然不過的風景，以剛落幕的「大港開唱」為例，從 milet、AiNA THE END 到 The Birthday，日本音樂人於整體陣容中約佔 15%，反映出台灣觀眾對日本文化長期累積的熟悉與接受。與此同時，台灣音樂人的身影也頻頻躍上日本音樂祭舞台，如 2022 年滅火器與大象體操雙雙登上 FUJI ROCK、2025 年的 RINGO FES（りんご音楽祭）也能看見海豚刑警與 DSPS 的身影。
進一步觀察，兩地互動更延伸至長期的合作模式。近年來，台灣音樂祭開始與日本音樂祭品牌建立連結，例如「浪人祭」聯手日本都會型音樂祭「SYNCHRONICITY」共同徵選演出，將緩緩 Huan Huan、柯智棠送上日本舞台，也將三組日本音樂人 The Novembers、板歯目 BANSHIMOKU，以及 ASOBOiSM 帶到浪人祭演出。而「搖滾台中」則與「FUJI ROCK FESTIVAL」連續兩年結盟，不僅將專為潛力新秀設計的海選舞台「ROOKIE A GO-GO」移師台中，更成功推動融合傳統宮廟元素的樂團「震樂堂」登上苗場舞台。
在這股持續升溫的台日交流之中，位於日本澀谷、擁有 22 年歷史的指標性場館「duo MUSIC EXCHANGE」扮演了橋樑般的角色。作為「浮現祭日本篇」及「搖滾台中 × FUJI ROCK」等合作案幕後的專業推手，duo 長期參與兩地音樂與文化之間日益緊密的交流，並於今年 3 月正式啟動《Two Waves》台灣音樂人徵選企劃，試圖為有志進軍日本市場的創作者，建立一條長期且穩定的路徑。
本次吹音樂訪問到「duo MUSIC EXCHANGE」台灣專案經理及場館企劃的馬緁羚Asami（以下簡稱 Asami）。她擁有十餘年的 livehouse 企劃資歷，並持續深耕於日本音樂產業，如今帶著跨越兩地的實務視角，與我們分享產業第一線的觀察，以及她對台灣音樂在未來文化版圖中的願景。
牽起台日兩地連結
Ｑ：首先想請你分享過去在台灣或日本的相關工作經歷，是什麼契機讓你獲得在 duo MUSIC EXCHANGE（以下簡稱 duo）的工作機會？
Asami：我在台灣做了十幾年的 livehouse 企劃，早期在浮現 livehouse 跟透明雜誌合作幾次活動，當時他們帶了許多日本獨立樂團來台演出。那些強烈的現場刺激，成了我想去日本工作的契機之一，也意識到如果一直留在台灣做場館，可能無法接觸到更多元的文化。
於是我前往日本就讀演唱會製作的專門學校，畢業後進入了一間大型演唱會製作公司。我很喜歡音樂，想要更接近音樂，可是在工作過程之中，卻因為繁忙而離音樂本質越來越遠，甚至連自己參與的演出都沒機會看上一眼，這種落差對我來說是一種折磨。
duo 是我在日本第 5 年獲得的工作。在 livehouse 工作最迷人的地方，於能全程參與從企劃到觀眾入場的過程。雖然有人會說工作不是來看表演的，但工作目的正是為了促成一場演出，如果最終卻看不見演出的靈魂，是非常可惜的。
Ｑ：在你進入 duo 之後，是如何開啟與浮現祭的一系列合作？
開始與浮現祭合作的契機，正好與全球疫情重疊。我 2020 年 1 月進入 duo 工作，4 月日本就發布了「緊急事態宣言」，現場音樂產業遭受到前所未有的打擊。
在無法舉辦實體演出的困境下，我開始與台灣的朋友交換意見，並主動向公司提案：「不如我們來試試看跨國的線上活動吧？」並將活動取名為《Call Out Music》，呼應「呼喚音樂」的概念。這是我們公司第一次與浮現祭合作，為了讓這件事成行，我當時說服老闆非常久。
這系列的演出總共舉辦了四屆，促成了許多難得的台日合作，像是 toe × 大象體操、the band apart × 拍謝少年、the telephones × 怕胖團，以及步行者 × fox capture plan × H ZETTRIO。
隨著疫情解封，浮現祭開始希望我們協助邀請日本樂團去台灣演出，初期像是 SUGIZO、ZUTOMAYO、Cody・Lee(李) 等藝人，都是由 duo 協助對接。目前我們依然保持緊密的合作關係，每年都會固定安排日本樂團參與浮現祭。
Ｑ：澀谷是東京 livehouse 的一級戰區，想請你以個人角度分享，與其他眾多展演空間相比，duo 呈現什麼獨特的音樂樣貌？
Asami：livehouse 在日本是一個很成熟的產業，duo 周邊就有超過 20 間 livehouse。看似競爭，但我們與同業其實是共同帶動產業成長的戰友，保持著良好的合作關係。例如，對面容納 300 人的場館有時會向 duo 租借場地，我們也會根據演出規模，與其他合適的空間互相調度。
我們老闆是一個有趣的人，他常說：「一年再怎麼努力也就只有 365 天，但我們要思考的是如何創造第 366 天的價值。」我們不認為場館的責任只要把節目做好就好，而是將企劃看作一條「延長線」，試圖在場館外創造更多連結。例如我們在輕井澤租了一塊田，也會帶著藝人與樂迷去種田，目的是希望樂迷有著不同於 livehouse 的體驗，建立起一種雙向的互動，而我們也會在田中舉辦 tour。後續在藝人專場中，現場會販售當初種植的毛豆作為下酒菜。對觀眾來說，這是非常新鮮的體驗；對藝人而言，這種雙向回饋也能延續創作動能。珍惜在場館中遇到的人事物、打破空間限制的企劃，正是 duo 想呈現的樣貌。
Ｑ：duo 為何會特別啟動專門針對「台灣音樂人」的徵選計畫？
Asami：duo 這幾年與台灣的連結越來越深，我們除了擔任北流的顧問，也協助浮現祭製作日本篇，期間帶了超過 15 組台灣樂團來日本演出，像是老王樂隊、怕胖團、拍謝少年、HUSH 和持修等。我們老闆在我進公司前對台灣是沒有想像的，甚至當時也沒去過台灣，但後來他頻繁地參與台灣的音樂節，親自在現場感受演出的能量，這些實際交流促成了企劃的雛形，從原本的想像，轉變為一種「應該要去做」的行動力。老闆原先的打算是找一些台灣樂團來 duo 演，可是我覺得場館的強項在於擁有資源與場地，我希望這件事能發展得更健全。透過徵選機制和建立網站，將資訊化為清晰的脈絡。當台灣音樂人在搜尋「如何去日本發展」時，有一個平台可以參考。
Ｑ：從場館角度來看，這項徵選計畫希望帶來什麼樣的可能性或改變？
Asami：近幾年日本音樂人對台灣市場表現得非常積極，他們發現來台灣演出非常容易獲得共鳴。這種交流不只是單向的演出，當日本音樂人實際接觸台灣的觀眾與音樂後，他們回過頭以自己的角度跟日本觀眾分享台灣，進而對台灣產生更多正面印象。去年怕胖團與日本樂團 the telephones 合作了兩首歌，對雙方樂迷與藝人來說都是最直接的交流。無論串流平台如何興起，都只是一種接觸音樂的手段，現場演出帶來的感動是無法被取代的。透過徵選計畫，我們不只是把台灣音樂帶進日本，更是在這個對現場演出需求極大的市場中，創造出實質上的交流與體驗。
我常在思考，有沒有可能在 50 年或 100 年後，當日本人被問到「為什麼喜歡台灣」時，他的回答會是，「因為我受到台灣音樂的影響。」就像現在我們受到日本文化影響人生規劃一樣，我期待台灣文化也能具備這樣的影響力。雖然很多人會覺得，「日本動漫跟遊戲這麼強，別傻了。」但看看 K-pop 過去無法想像的成功，只要願意持續推進，這種雙向的文化傳遞是有機會發生的。我不希望我們只是單方面接收日本文化，我期待的是互相交流與影響。
日本聽眾的「天線」正大量展開
Ｑ：近年我們的確看到日本音樂人來台比例增高，反之，台灣音樂人進入日本市場時，目前面臨最大的挑戰與優勢分別是什麼？
Asami：這是一個很純粹的市場供需原則，日本音樂人大量來台，是因為數據證實台灣有廣大的受眾；而台灣音樂要進入日本，必須面對更深層的文化資本。日本過去數十年來的文化輸出，建立了一套完整的脈絡。當你問台灣人為什麼喜歡日本，九成的人能立刻回答：「因為我們是看動漫、玩遊戲、聽 J-pop 長大的。」相對而言，台灣面臨最大的挑戰，在於我們還沒有花長久的時間去建立文化的影響力。目前日本人對「台灣原創」的想像還不夠具體，語言也仍是一道藩籬，這讓我們在進入日本市場時，還需要一段很長的路來磨合。
但現在，我們擁有的優勢就是日本對台灣正面的態度，現在台日關係正是非常友好的，便利商店的商品只要掛上「台灣」兩個字就會大賣。
Ｑ：近年落日飛車與大象體操開展了有別以往的海外路線，也好奇日本樂迷接觸台灣音樂的方式出現了哪些變化？台灣音樂人又該如何延續這樣的連結？
Asami：落日飛車以英文創作，大象體操則是以數學搖滾的樂器演奏為主，降低了語言門檻，確實讓許多原本不接觸台灣音樂的日本音樂宅開始產生興趣。對日本觀眾來說，中文仍是一道較難跨越的門檻。以音樂性來說，city pop 的熱潮在日本又重新回歸，這個音樂類型確實有優勢。隨著越來越多日本人來台旅遊，甚至有許多日本藝人為了來台發展而開始經營 Threads、學中文，雙向的文化滲透產生了正面影響。現在日本聽眾的「天線」正大量展開，廣泛接收來自台灣的訊息，接受度自然會慢慢打開。
我們常討論 K-pop 過去十年的興盛，我在日本觀察到，所有 K-pop 歌手在台上講的全部是日文，甚至會用日文創作，語言終究是溝通與情感傳遞最直接的方式。隨著日本聽眾對中文語境越來越熟悉，他們對於「中文歌」的接受程度也會隨之加深。
台灣音樂不流於形式的生命力
Q：近期台灣音樂祭與日本音樂祭的合作頻率越來越高，就像搖滾臺中跟富士搖滾合作，身為其中的窗口，你認為這種「跨國徵選」對音樂人來說，最實質的助益是什麼？
Asami：過去我們曾和連接富士搖滾與搖滾台中的合作，這個合作十分不容易，富士搖滾過去並不輕易與外界交流。兩年前第一次合作時，富士搖滾的社長親自來到台灣。再多的書面資料，都比不上實際帶他們進場看一次演出。當他們親眼看到台灣對於合作的用心，以及台灣樂團的實力，實際獲得的體會遠超乎文字。這幾年我們透過老闆累積的人脈，努力去說服日方台灣合作的價值所在，像是前幾年「震樂堂」登上富士搖滾的 ROOKIE A GO-GO 舞台，就是一個突破。
對音樂人來說，徵選更是一個讓日本主辦方、製作團隊用新的視角去理解台灣企劃能力的機會。在徵選機制裡，我們會安排台灣樂團跟兩到三組日本音樂人共演，這讓日本經紀公司、製作單位與合作夥伴，都能藉此打開對台灣音樂的想像。從市場的觀察方式，我們也可以從報名名單中看見台灣音樂人的曲風分布與赴日意願。從一場共演開始，後續可能就是第二次合作，甚至是共同創作的契機，這才是最紮實的助益。
Ｑ：在徵選過程中，你覺得日本策展方或場館端最看重音樂人的哪些特質？
Asami：「現場演出的感染力」與「作品的原創性」是很重要的，日本的場館文化相當成熟，對觀眾而言，進場看演出就像走進餐廳吃飯一樣自然，因此他們對「演出標準」的要求很高。這指的不是音樂優劣，而是整體的現場魅力。
特別是當創作語言並非日語，或音樂風格對日本聽眾而言較為陌生時，「現場感染力」往往是讓觀眾留下深刻印象的唯一途徑。像我們公司的音響工作人員就很喜歡怕胖團，他們的演出有一套獨特的節奏與互動方式；我也曾邀請日本音樂祭的主辦人來看演出，他當場就被拍謝少年「肌肉魚男」的現場魅力震撼，這些都是現場最直接的感受。
日方曾跟我分享，他們觀察到台灣音樂有一種「既抒情又悲劇」的特質，但那種「哀傷」並不是指難過，而是一種從華語流行樂脈絡潛移默化而來的情感取向。那所謂的「原創性」，重點在於你是否具備原創的靈魂。如果風格只是像某個既有的樂團，那聽眾聽原本的團就好了。
此外，在現場互動的層面上，台灣音樂人也展現出與日本截然不同的能量。並不是說日本的演出缺乏反應，而是相較之下，台灣音樂人更傾向建立一種直接且強烈的互動關係，不流於形式的生命力。例如拍謝少年在演出時加入吹泡泡的橋段，對日本聽眾來說就是相當新鮮的體驗。
Ｑ：想請 Asami 用個人的角度分享，對於想要報名這次計畫或是未來想在日本展開活動的台灣音樂人，你會給他們什麼樣的建議？
Asami：雖然日本市場對外來文化的接受度正在提高，但整體環境依然相對保守。如果想在日本展開活動，除了音樂本質，經營日本人慣用的社群還是不可或缺的。就像現在想來台灣發展的日本音樂人都開始使用 Threads 一樣。對樂迷而言，同步接收近況是建立連結的契機，如果資訊斷層，很快就會被其他訊息洗掉，甚至忘記藝人的存在。越來越多媒體對台灣音樂是有興趣的，也可以多跟平台保持交流，透過他們的角度讓更多日本聽眾知道你們的存在，利用有辦法掌握的資源。
此外，不要害怕主動出擊。如果你有想演出的場館，就勇敢去詢問。我們建立徵選平台，初衷就是為了提供資源給「想去卻不知道流程、不知道聯絡誰」的台灣樂團。最重要的一點是，你要對自己的音樂感到滿意，不要為了做而做，而是要思考這些作品是否真的代表自己，並持續學習，去學習並不是因為你現在不夠好，而是想變得更好。
🇯🇵《Two Waves》台灣音樂人徵選企劃
➤ 報名時間：即日起到 3/31 止
➤ 報名條件：
・以台灣為據點活動的台灣⾳樂⼈
・以原創曲⽬進⾏演出的⾳樂⼈、且演出可達 40 分鐘
・對在⽇本 Livehouse 演出與交流有興趣之⾳樂⼈
➤ 活動官網：https://reurl.cc/YDda94
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