從九〇年代末開始，台灣 livehouse 文化逐步興盛，於今全台遍佈各類型場館，已是許許多多獨立音樂人與樂迷相遇，累積演出經驗的重要場所。有的時候，就連站過大舞台的流行歌手與偶像明星，也會選擇在 livehouse 舉辦專場，近距離和歌迷互動，展演自己的音樂創作理念。
2013 年地下社會結束營業所引起的「台灣 livehouse 正名運動」，開啟了台灣社會對 livehouse 文化的高度重視與討論，後續十年，獨立音樂蓬勃發展，許多明星樂團相繼誕生，不僅有完售中大型的 livehouse 的魅力，也有站上大型音樂祭壓軸的實力。
台灣 livehouse 與獨立音樂乍看光明的未來，卻在遭逢 COVID 疫情發生巨變，即使國內防疫狀況已是全球前段班的水準，2021 年解封後，仍因外部市場變化與各不相同的內部經營因素，開始有好幾間小型 livehouse 宣告黯然收店。
從台北的「小地方展演空間」、公館「河岸留言」、「海邊的卡夫卡」，到台東的「鐵花村」⋯⋯等等，皆在 2023 年劃下句點，另一指標性的 The Wall 經營團隊則再次異動，就連女巫店也一度傳出歇業消息。於此同時，臺北流行音樂中心（以下簡稱：北流）則陸續啟動四個大小不同的 livehouse 場館，包括即將在 9 月開幕的 2000 人空間 Legacy Tera。
以扶持流行音樂產業為理念的北流，日前（9/8）於「TMEX 臺北音樂博覽會」舉辦數場論壇，其中一場便邀請到「前小地方展演空間」的營運團隊「生波計畫SHENG BO」創辦人 Tyler，與分別來自馬來西亞、韓國、澳洲、日本的 livehouse 經營者，共同探討「全球 Live House 的生存之道」。
由台灣代表 Tyler 擔任主持及提問人，四位國際講者在一個小時的講座裡，分別針對各自的 livehouse 屬性與國情，分享他們在商業與藝術間的平衡、串流發展與疫情前後的市場變化，以及當前 livehouse 面對的困境和未來的展望可能。為方便吹音樂讀者閱讀，筆者將四位講者的分段內容稍作統整，希望這篇對於有志關心 livehouse 文化的人，能帶來一些同行的觸動與具體的指引：
馬來西亞 LIVE FACT｜麥偉豪：livehouse 是樂團的墊腳石。
於吉隆坡南部經營 LIVE FACT（現場因素）的麥偉豪，視 LIVE FACT 為當地樂團的訓練中心，儘管只能容納 200~300 人，卻是樂團站上更大舞台的前哨站，理解並熟練演出硬體。
幫助剛出道的音樂人，成為他們的墊腳石，是 LIVE FACT 的本命所在，他們並不會因為串流平台的數據表現，去左右自己的選團之道。
然而和多數國家一樣，馬來西亞的音樂節與大型演唱會正在變多，導致小型空間生存受到擠壓，讓他悲觀地認為，如今的觀眾已不覺得去 livehouse 看專場是一件時髦的事情了。
Livehouse 是一個聚眾的場所，怎麼找出新的好玩要素把觀眾找回來，需要深思。麥偉豪回憶，自己曾到訪師大的地下社會，連續三個晚上都待到隔天早上六點，整個空間的氣氛都吸引著他；而在東京的小場館，則發現就算只有 100 人的空間，也能擁有了不起的設備。
有了這些體驗，再回到馬來西亞，他便想結合兩者的優勢來經營 LIVE FACT。他呼籲，曾經在此演出過的大團，或許可以用個別團員身份回訪 livehouse，以重新活絡逐漸凋零的 livehouse 文化。
澳洲 Phoenix Central Park｜Josh Milch：創意思考，不必讓空間侷限在音樂泡泡裡。
來自澳洲的 Josh Milch 是雪梨的 Phoenix Central Park 創意總監，場館演出者偏向當代藝術，其建築空間曾獲獎，Mong Tong 曾到此演出過。他自嘲 PCP 的創辦人充滿願景，最初登記場館屬「公益性質」，儘管場地僅能容納 140 人，靠著獨特的美感與慈善贊助支持至今。
Josh Milch 認為，如今澳洲遇到的市場現狀是「世代對立」，傳統經營者不知道如何行銷 Z 世代觀眾，加上城市士紳化、物價飛漲，為了讓觀眾繼續靠近場館及當代藝術，他們甚至得祭出「免費抽票」的方式來吸引觀眾。
Josh Milch 也擔憂地指出，國際串流平台對於本地音樂人的支持是不足夠的，2023 年底的澳洲年終音樂榜上，沒有一首歌是澳洲音樂人的作品。
PCP 身為小型的孵化型場館，難與大環境抗衡，但仍具有保存本地文化的任務與意義，他想鼓勵大家冒險，不要想照抄公式走，學泰勒絲的做法很可能被誤導，最終還是要找到自己的路，有長期投資的野心、保持創意思考。比如澳洲 livehouse 正試著將空間轉化出錄音室、攝影棚、藝術工作坊⋯⋯等多元功能，讓自己成為一個流動的生態空間，而不是侷限在音樂泡泡裡。
韓國 KT&G｜鄭珠蘭：疫情過後，樂團光是辦演出已不足以吸引新觀眾。
韓國的 KT&G 製作人鄭珠蘭分享，場館空間約 200~400 人的 KT&G，於 2007 年開始起步，自視為弘大的指標性展演空間，在韓國共有五個分館。他們不止辦音樂表演，也觸及畫廊、展覽、放映等活動，甚至也會為音樂人打造「My First Concert」特別企劃。
鄭珠蘭表示，由於 KT&G 背後有大企業支持，因此相較其他場館更有預算去製作獨特節目，為獨立音樂社群做出貢獻，比如邀請新興音樂家合奏共演，或者利用五個分館優勢，舉辦全國巡演，讓音樂人能拓展音樂事業。只要音樂人能藉此成功，便等於他們的成功。
COVID-19 疫情期間，韓國曾有許多獨特的防疫政策與現象出現。由於政府規定觀眾看演出不能拍手或合唱，因此在 livehouse 便會出現觀眾反應「冷淡」的狀況，影響到表演者的心情。鄭珠蘭說，雖然這樣台上台下溝通受阻的氣氛很令人難過，但想到觀眾居然還願意來到現場，仍舊會感動。
她觀察，在疫情前，韓國開始許多 IG 帳號會主動分享樂團資訊，讓本地樂團市場興盛起來，也開始有好幾組獨立樂團能夠賣出破千張的門票。然而疫情後，樂團光是辦演出已不足以吸引新的觀眾了，在被動保持獨特性之餘，也要主動想辦法讓自己的表演和作品跨出去，甚至對海外遊客產生吸引力。
日本 duo MUSIC EXCHANGE｜西村良太：希望 livehouse 文化永遠不會消失。
作為本場講座的重點講者之一，西村良太稍微分享了 duo MUSIC EXCHANGE 在東京澀谷的 livehouse 激戰地段，經營超過二十年的心得。
duo MUSIC EXCHANGE 可容納 700 人，所處大樓就有三間 livehouse 在競爭，卻仍可以達成全年無休、booking 滿額的狀態。他們在近年開始跨足國際，與台灣的浮現祭、美國的 Coachella 音樂節談成合作聯盟。
西村良太多次強調，duo MUSIC EXCHANGE 非常重視 livehouse 的策展本質，就是想幫喜歡的表演者加油，讓他們被注意到。有趣的是，日本 livehouse 牌照被歸類在餐飲業中，而在 COVID-19 疫情期間，日本政府曾針對餐飲業祭出「越早打烊越多補助」的政策，因此一度出現餐廳不開反而能拿到更多錢的怪現象。然而 livehouse 從業者仍有夢，還是想盡量營業、舉辦演出，寧可少拿錢撐到八點再打烊。
日本的內需市場很強，但 livehouse 的生態仍有隱憂。西村良太發現，現在的年輕世代在面對娛樂產業求職時，多半會先選擇投入電玩或動漫產業，音樂產業越來越少人加入，加上日本少子化的情形十分嚴重。音樂產業幕後缺工已是現狀，高漲人力成本將漸漸反映在票價上，大勢難敵。
自視為「上一代人」，西村良太相信大家聚在 livehouse 裡，透過同在的感動與共同記憶，是不可能被任何東西取代的直觀體驗。講座最後，他期許這樣的文化、livehouse 的價值永遠不會消失。
照片提供／臺北流行音樂中心
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