在音樂產業鏈中，創作人與聽眾之間很多時候並無法有效串聯，如果不透過宣傳媒介或網路平台，你不會知道世界的哪個角落做出了一首你喜歡的歌；在供過於求的時代，人們也不可能每天花大把時間，只為了將所有新歌聽一遍，從中找尋自己喜歡的作品。
因此，在生產者與消費者之外，音樂評論也是促進產業脈動的一環，有些人以自身品味及音樂素養為基石，用語言、文字等方式介紹音樂，搭建出連接創作人與聽眾之間的橋樑，讓好作品能更快速被發現。廣義來說，音樂評論不僅限於以此為業的文字工作者，也包括部分音樂產業的意見領袖（其發言有引導風向之作用者）。
今天想討論的是，現在台灣音樂產業裡，發言的聲音大多偏向讚譽，但產業並沒有變好，為什麼？是哪個環節出了問題？「如果大家的音樂都做得很棒、作品都很有想法，那為什麼銷售量沒有起來？票房、演出價碼沒有變高？」。日前吹音樂採訪了《煉雲》原聲帶錄音混音師鄭皓文（鄭拔），在訪談之餘，我們聊起對「音樂評論」這件事的看法：
一首歌有哪些東西可以被討論？
鄭拔：歌詞、旋律、編曲、樂器結構、錄音混音工程、專輯設計……，一首歌值得討論的面向很多，不只有創作概念。
例如討論「抄襲」，廣義來看，所有歌曲創作都是從抄襲（臨摹）開始的，只是抄得厲不厲害的問題，真正厲害的會內化到你根本聽不出來。
實際上抄襲這件事是有明確法律定義的，也許我們曾覺得不少流行歌曲旋律都很像，但不會到每個小節裡都是一模一樣的狀況。最常發生的狀況可能會在編曲，包括了歌曲的和絃轉換、節奏進行、段落格式…..等等。
每位創作者都會有自己的聆聽脈絡，真正厲害的音樂人，他會去聽自己喜歡的音樂人在聽的東西，並將這些養分內化成自己的東西。像椎名林檎的歌其實也是內化了很多別人的東西，但你會覺得那就是椎名林檎，不是誰的影子。
樂器結構和混音後製工程也不常在音樂評論中被提及，像很多樂手會追求音色，執著於使用哪一把琴、音箱型號、錄音器材、跟哪位製作人合作、在哪間錄音室錄……等，這些細節好像只有音樂產業內的人會關心，但我覺得其實可以有更多音樂評論來分析描述這一塊，培養一般聽眾的聆聽概念以及對聲音的品味。
專輯設計雖然與音樂沒有直接相關，但現在大部分的設計都不只是單純的包裝藝術，還代表了專輯想要呈現的概念，很多時候，它與文字創作是相輔相成的。此外，視覺上的吸睛程度是否會影響他人購買欲望？這些也值得提出來講。
音樂評論一定有主觀喜好的成分，但我覺得這件事應該要更客觀、更有脈絡一點。上述面向並沒有絕對的標準，然而，當一切都從主觀喜好出發，其他有討論性的部分就會被忽略。
對於自己有參與的專輯，我從來不會覺得它是完美的，永遠都有更好的可能性。從錄音、整理檔案、混音到後製，一首歌少說會聽一千次以上，這是站在職人的角度對自己的要求。很多時候在工作室聽、在車上聽、在家裡聽，會一直有新的想法。聽一聽當然會疲乏，所以一定要出去再回來聽。我覺得這些過程脈絡是必須要被討論的，而不是只看專輯文案就決定一張作品的價值。
當社會價值凌駕於音樂之上……
就以我自己去年有參與的作品為例，王榆鈞與時間樂隊《原始的嚮往》這張專輯廣受好評，當然它確實有值得讚賞的部分，但也有不完美之處。
願意涉獵政治意涵的獨立樂團其實並不多，我說的是那種直接擺明著講，創作政治意涵歌曲的，真的不多。王榆鈞的作品是有時代意義的，像是描述 318 學運的〈媽媽請不要擔心〉等等，我對於她被定位為「社會歌手」這件事給予高度評價。
這張專輯有詩有詞，視覺設計也很有想法，無論從文學、藝術、社會或政治形態層面來看價值都很高，但再怎麼說它還是「專輯」，我們還是要回頭看它在音樂層面的價值。
從樂手能力來看，時間樂隊的樂手們都是不錯的，但細究每個人音樂養成的環境與過程不同，對於 Time Filed 的敏感度就有不同。跟他們工作的時候我們常常在開玩笑，時間樂隊真的取錯名字了，因為時間樂隊各自平常都很忙碌，最沒有的就是湊在一起培養默契的時間。所以從製作人的角度，我建議他們如果堅持要同步錄音就一定要對 click，錄完一遍後再回來分部細修，這樣才會節省在錄音室裡的工作時數，大家也不會一直用撞的方式在錄音。
這個過程我知道跟榆鈞一直是很衝突的，她畢竟是一個比較著重情感層面的創作人，不是一個有著精準技術的專業錄音室樂手。其中有一首歌，我們一直錄不到想要的氛圍，就嘗試關掉 click 錄，一錄完榆鈞就哭了，因為那個情緒才是她要的，但實際上這樣錄出來的東西在原始設定的標準裡是根本不能用的。總之整個錄音過程是很糾結的，到後來我幾乎是用「你們盡量錄吧！不用管彈奏得好不好！一切我來處理！」的方式，搶在預定錄音時間內把所有樂器部分錄完。錄音檔案後續的剪輯、整理工作，我想不用說，可以想見是有點驚人的！
專輯發出來後，有不少音樂圈朋友主動聯絡我，以為是我處理最後的後製工作，有一些 Mixing & Mastering 上的疑問，啊～細節我就不說了，我不諱言我最後聽到成品是失望的，覺得當初深夜在鬧區大馬路上談論的意義與熱血好像有點失焦，覺得辛辛苦苦整理好的東西沒有被好好對待……。
我想表達的是，這些問題在目前檯面上的音樂評論中幾乎沒有看到，沒有人提到關於音樂的事。如果有人提到這些，或許大家在聽這張專輯時，會產生新的觀點；說不定有些樂團也遇過類似的問題，因為這件事被提出來，他們就有機會去思考解決辦法。
沒有脈絡的音樂如何聆聽？
另一個想舉例的，也是我自己有參與的謝明諺《上善若水》專輯。
我大概是在開錄的四天前接到謝明諺的電話，主要是因為當時日本國寶級即興爵士鼓大師──豐住芳三郎剛好來台參加活動，就臨時促成了這次的錄音。
其實自由即興很少在錄音室錄，通常都是表演時錄的，但現場錄音比較不容易有好的音質水準，而這張專輯的重點，正是希望能完整捕捉到樂器所有細節聲響，並有完善的混音後製。
自由即興，就像沒有 form 也沒有和弦進行的爵士樂團，基本上可以說他們在亂演，但那些亂演是互相呼應的。他們在錄的時候並沒有給我任何歌曲相關的資訊或想像，所有的一切都很隨意，因此我只能在錄的過程中，觀察樂手互相應對的脈動。在錄音現場還可以知道哪邊動作比較激動、大概在幹嘛，但錄完回去聽檔案時完全不知所措，只好用一個一個處理的方式來調整。
一是先把每件樂器的 tone 調好；二是同步錄音通常為了收音乾淨，各個樂手會分別在不同空間演奏，我就用 ReAmp 的方法將音樂透過喇叭回放出來、用麥克風重新模擬人耳聆聽方式收音，再加上一些 reverb，讓原來是在不同場域發出聲音的樂器，聽起來是在同個空間裡發生；三是因為自由即興沒有脈絡可循，我的最高指導原則就是，讓音樂整體聽起來是可以舒服聆聽的。
對我來說，我其實有點抓不到這張專輯裡面的情緒，反而是用很科學的態度去聽各個樂器的聲響反應，盡量在聲音互相堆疊的情況下，讓音樂不會特別尖或特別吵。這是一張很奇特的作品，它有它好的價值，但由於沒有主流格式的音樂性脈絡可言，對於一般大眾來說絕對是不容易聆聽的。
不喜歡的人不一定是真的討厭這樣的音樂，而是他沒有這種文化脈絡，但文化脈絡是可以被宣導傳播的。回到音樂評論上，我覺得像是製作面遇到的問題、音樂風格如何歸類、市場雖小但具國際性時該如何發展……等都應該拿出來討論，這就是一種教育，教大家怎麼聽不同型態的音樂。
好評壞評？重點是「增加想像的可能性」
並不是說要一味地批評，只是希望在說完好話後，也能講講不好的地方。如果音樂評論能提出更多面向的看法，這個環境才有可能增加更多想像空間。
市場的挑戰就是這樣啊！你今天到了一個坎站就要往上走，用過去的經驗想要創造新的刺激是不可能的。我以前參加企業訓練時一位導師曾說過：「什麼是傻瓜？用同樣的行為模式，卻希望創造不同的結果，就是傻瓜。」我們已經傻很久了。
所以根本不是好壞的問題，是跟「想像」的可能性有關。而且我們是有政府補助的耶！既然政府、納稅人都出錢幫你做音樂了，就更不用怕賠錢啊！可以試著去做更多嘗試。
有些拿到補助的人，在推薦自己的作品時會說「請給我支持和鼓勵」，我聽到這個就很想直接給他巴下去。拿到這些錢就是要往前衝了，你還要人家鼓勵什麼？今天 7-11 出了一個新口味的飯糰，他總不會說「這個新口味請試吃看看，給我們一些鼓勵」，你不覺得這很可笑嗎？你就是要告訴我你對新口味有什麼想法，而不是「鼓勵」。
新東西出來一定會有人喜歡、有人不喜歡，而你是要從這些討厭和喜歡裡面，找到自己該往哪個方向去。
大家都怕講別人壞話害自己沒有 case，但其實講出來，很有可能我認為好的地方是你認為不好的地方，那我們就可以互相討論，就會有不同的刺激。你看國外的金酸莓獎不是辦得好好的？但我們的音樂生態就比較缺乏這些。
專輯為什麼不會賣？我們把「消費者不接受」這件事怪罪到數位串流、怪罪在時代流行的改變上，但我們從來沒有認真檢討自己「還沒有做哪些事」，我可能做了 A，得到 A 成果，但只要做了 B，就可以 A+B 了，那是不是可以檢討一下自己為什麼不去做 B？
公開的討論，其實可以創造出讓大家盡可能去嘗試新事物的機會。如果藏著不說，這些事就變成音樂人自己要思考；但只要提出來，從樂迷聽眾到音樂人自己都會被這樣的效應所影響，整個產業環境才會發生變化。重點是要有改變，變壞也不見得是壞事。
就現況來看，樂評人在自己能力所及之處其實已經做了很多事，他可能盡了 99 分的努力，但市場還是這個樣子，你說他應該再多做 1 分的努力讓市場有變化？還是要加入別的元素？我想討論的就是這件事情。
樂評人畢竟是文字工作者，對於音樂的專業度可能不足，要他們深度談論音樂面並不容易，但我想，是不是有機會將樂評人、音樂創作者、樂手、製作人甚至專輯設計師聚集起來組成「樂評團隊」？用團隊合作的方式建立評比制度，例如這張專輯在各個面向的評分是多少？可以從哪些角度聆聽？聽眾也能因此獲得更多、更全面的訊息去做選擇。
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